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Un aéroport.  Une femme qui tente vainement d'appeler un homme qui ne peut pas l'entendre a cause de l'épaisse vitre qui les sépare déjà. Le dialogue, hésitant,  muet, ne dure que quelques secondes,  la scène est magnifique.

Ce n'est pas la première fois que le réalisateur Asgar Farhadi se concentre sur une simple vitre, tourne autour d'un homme et d'une femme avec cette infinie légèreté, pour évoquer pourtant des sentiments durs, des drames, des déchirements. Car déjà,  les deux protagonistes sont distants,  polis, presque trop. La rancœur affleure sous les sourires de façade, et dans les petits reproches d'un couple qui reprend ses marques. Il vont régler leur divorce. Elle veut définitivement tourner la page et refaire sa vie avec son nouveau compagnon, il ne semble pas vraiment savoir ce qu'il veut, ou même ce qu'il fait ici.

Le passé est bien un des personnages du film. Peut être le plus présent,  celui qui accompagne le trio a chaque scène, celui qui est en arrière plan de chaque dialogue.

Car chacun d'entre eux semble véritablement prisonnier de ce passé si lourd,  incapable de faire place nette pour repartir de l'avant. Il ne faut ici pas trop en dire, car ce passé se dévoilera, au fur et a mesure que chacun d'entre eux le ressasse, le retourne, le questionne. L'ambiance s'avère vite étouffante, filmée quasi exclusivement à l'intérieur dans une cuisine, à l'arrière d'un pressing ou encore dans une voiture.

Car le cinéma de Farhadi ne semble tirer son intensité que de ces tunnels de dialogues qui nous dévoilent petits à petits les personnages, qui soulèvent doucement le voile sur ce passé que chacun d'entre eux semble vouloir fuir. il n'en faut pas plus pour faire surgir des blessures récentes ou anciennes qui n'ont jamais cicatrisé, pour monter des membres d'une famille l'un contre l'autre...

C'est alors dans la direction d'acteurs que le metteur en scène iranien réalise encore une fois des prodiges. Même si Tahar Rahim se sort bien d'un rôle difficile,  même si les enfants sont d'une fascinante justesse, ce sont bien les deux anciens amants qui illuminent le film. Ali Mosaffa d'abord,  l'ex sur le retour presque forcé.  Calme, philosophe, magnétique, presque résigné,  il semble être parfois la personne la plus sensée de ce tourbillon avec cette sagesse toute persane. Mais ne serait ce pas aussi la plus lâche ?

Bérénice Bejo ensuite. Littéralement transfigurée,  habitée par ce rôle tout en détermination et en colère,  l'actrice réussit a tenir l'intensité étouffante de cette mère déterminée a ne pas laisser le passé lui barrer le chemin. Une performance admirable, qui pourrait bien rapprocher la française d'un prix d'interprétation à Cannes(Deux ans après son passage remarqué pour The Artist)

Tout cela pour 140 minutes de cinéma intense et puissant, qui ne cherche jamais l'artifice de mise en scène, juste une mise à nu sur le cordeau d'une avalanche de sentiments contradictoires.

Un cinéma qui parvient à ne jamais juger ses personnages, à toujours leur laisser une porte de sortie, à ne jamais les condamner alors que le spectateur l'a déjà fait. On ne traite pas de morale ici, mais d'humain. Et dès que l'on cherche une porte de sortie, une leçon, un point d'accroche dans ce tourbillon, le scénario nous ramène quasiment au point de départ.

Apres un film aussi extraordinaire et acclamé que "Une Séparation", on aurait pu craindre que la greffe ne prenne pas entre le cinéma si profond de Farhadi et la banalité d'une banlieue parisienne traversée par le RER.

La réussite éclatante de ce film si fort et si profond vient confirmer ce que beaucoup avaient cru déceler dans les couloirs de Téhéran.

Que ce que nous dit Asgar Farhadi n'est ni persan, ni parisien, mais bien universel.

Que le plus terrible après tout, c'est que chacun a ses raisons. 

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Ce "Gatsby", qui a lancé le festival de Cannes sous la pluie, risque de ne pas forcément soulever les foules. Car quelques années après avoir brillamment revisité Paris et le Moulin Rouge, le plus kitch des réalisateurs australiens semble parfois s'être  complètement perdu dans les méandres du roman de Fitzgerald. 

Tout commence pourtant comme prévu.  New York en 1922, la folie, les couleurs, l'Amérique d'entre eux guerres déjà triomphante,  vue par l'étroit scope de sa mégalopole déjà la plus délirante. Sous le regard de ce jeune homme émerveillé,  la vie ne semble être qu'une immense promesse et un grand mystère. Comme ce Gatsby, richissime et secret gentleman qui enivre toute la ville avec ses soirées fantastiques et sa classe irradiante. La vie ne semble alors qu'être une suite de délices et une soirée sans fin dans des palais de rêve,  a peine troublés par la misère qui affleure lorsque les gentlemen huppés vont s'encanailler entre Manhattan et Long Island.

Et si il y a bien quelqu'un qui sait comment rendre une soirée inoubliable, c'est bien Barz Luhrmann. Dans un festival de couleurs, dans des décors hallucinant et avec une bande originale a tomber par terre, le réalisateur ne manque pas son entrée. Les premières minutes résonnent alors comme une promesse, celle d'un film dédié au mystère et au plaisir, à une ballade dans le temps suffisamment enivrante pour captiver,  et tant pis si il ne s' y passe pas grand choses tant l'ambiance est festive, et les images belles. On serait alors presque prêts a pardonner une 3D bien inutile (qu'on imagine volontiers poussée par la Warner pour arrondir les recettes d'un blockbuster d'auteur risqué,  qui a du coûter fort cher...)

Mais lorsque le film se focalise sur l'histoire d'amour impossible, toute sa folie semble alors s' évaporer plus vite que quelques bulles de champagne. Lourd, démonstratif,  usant des procédés narratifs les plus éculés (les envahissants flashbacks n'ont jamais été si didactiques), "Gatsby" devient alors une très longue tragédie amoureuse qui ne se soucie jamais de rythme, ou de beauté. Prisonniers de cette histoire sensée être poignante, les personnages se noient alors dans leur grand décor kitch, qui étouffe toute émotion.

Et malgré tous les efforts des grands acteurs rassemblés pour l'occasion, le film dérive alors (très) lentement jusqu'à la tragédie finale, dans un parcours jonché de scènes théâtrales très désagréables, à l'image de ce huis-clos irréel dans une chambre d'hotel. Une pièce de boulevard empesée où le personnage de Gasby explose enfin... mais c'est pour mieux se calmer immédiatement,  et basculer vers un fait divers tragique qui tombe alors comme un cheveu sur cette soupe bien indigeste. La musique n' est presque plus là et l'on entendra alors quelques notes de la sublime reprise de "Love is blindness" de Jack White entre deux voitures qui dérapent...ultime aveu d'impuissance d'un réalisateur qui semble ne plus vraiment savoir comment faire cohabiter le roman, ses effets visuels, et sa bande originale... 

A l'arrivée,  beaucoup d'ennui après un démarrage en feu d'artifice. Un film qui se dégonfle progressivement jusqu'à un prologue interminable ou les images léchées ont définitivement chassé toute émotions, sans jamais explorer le grand thème du film : la fortune d'un parvenu fascinant, trop beau pour être honnête.

Et malgré le démarrage en fanfare du film au box office américain, on souhaite à Barz Luhrmann de retourner aux films musicaux décapants et délirants, plutôt que de tenter une fois de plus de se frotter à l'Histoire. Après le naufrage d'"Australia" et ce "Gastby", on peut lui avouer : la grande fresque sérieuse, ce n'est définitivement pas pour lui...

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Une série événement à plusieurs titres.

Très gros budget, mise en chantier par le réseau payant NetFlix, House of Cards est la première salve d'une révolution en cours dans le onde de la fiction télévisée. Les grands networks se font déjà tailler des croupières par les chaînes cablées ("The walking dead" chez AMC et bien sûr "Game of Thrones" chez HBO) que de nouveaux acteurs tentent de se faire une place sur le marché de la série adulte et classieuse, en mettent à disposition en téléchargement TOUS les épisodes de la série le même jour. Et quel projet : 100 millions de dollars de budget pour une saison, portée par un immense acteur (Kevin Spacey) et dont les deux premiers épisodes ont été confiés au metteur en scène le plus hype du marché (David Fincher).

Et la série dans tout ça ? Efficace, indéniablement, mais un poil décevante. Car derrière le vernis classe du produit packagé "adulte", "House of Cards" reste quand même une série grand public, qui ne chasse pas sur les terres de l'excellente artistique et de l'exigence d'œuvres comme "Breaking Bad", "Mad Men" et bien sûr "The Wire".

Washington DC, le cœur de la démocratie américaine, lieu de bataille permanente entre une Maison Blanche et un Congrès nouvellement élus. Au milieu de ce cirque républicain, Franck Underwood est sensé mettre de l'huile dans les rouages...mais passe beaucoup plus de temps à s'occuper de sa carrière et à saboter les initiatives de ses amis politiques.

Les branches exécutives et législatives intéressent décidemment beaucoup la télé en ce moment. Quelques mois après "Veep" et son angle clownesque, "House of Cards" a choisi celui du cynisme et du tragique, teinté d'un humour grinçant. D'où un Kevin Spacey qui s'adresse régulièrement à la caméra pour sous-titrer les coups tordus et les basses intrigues politiques auxquels il nous convie.

Des aventures politiques habituelles à Washington : trafic d'influence, arbitrages budgétaires orientés et coups de billards à cinq bandes pour récupérer les postes les plus en vue. Sans oublier les deux grands classiques de ce type d'administration : la place centrale de l'argent des lobbyistes et  les scandales toxico-sexuels de quelques élus dépravés. On n'oublie pas non plus la presse, à qui notre héros donne la becquée de manière calculée pour que le flux d'infos soit en cohérence avec ses plans machiavéliques.

Un grand barnum de la médiocrité humaine toujours réjouissant à observer, surtout quand la partie d'échecs appuie là où le bat blesse : la place invisible du Vice-président, le rapport compliqué d'un député avec sa circonscription, la place de l'argent dans la vie politique. Le problème, c'est que le scénario pourtant assez dense se réserve régulièrement de très grandes facilités, et des twists dramatiques capilotractés. Même facilité du côté des personnages, assez monolithiques et peu nuancés, en tous cas pas assez pour surprendre. Des députés lâches, des syndicalistes jusque-boutistes, des lobbyistes fourbres, des journalistes à l'éthique hasardeuse, une majorité turbulente : tout est finalement assez convenu.

Seul le couple formé par Kevin Spacey et Robin Wright y échappe. Fascinant, repoussant, intriguant, ce pas de deux apporte beaucoup de noirceur et de nuance à un ensemble un peu trop bien huilé par ailleurs.

Grâce au talent unique de Kevin Spacey pour jouer la canaille manipulatrice, grâce aux gros moyens mis sur la table et grâce à son sujet passionnant, la série reste extrêmement efficace, et suffisamment divertissante pour attendre avec confiance une deuxième saison. Qu'on peut quand même espérer un niveau au dessus. 

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Un accident tragique, une veuve éplorée mais pas trop quand même, et une ado déjà pas folichonne qui devient complètement prostrée : c'est la bonne ambiance dans la famille Stoker.

Heureusement que débarque tout d'un coup un séduisant oncle dont pas grand monde n'avait entendu parler jusqu'ici. Le fringant jeune homme vient donc égayer ce qu'il reste d'une belle famille de vampires, et participer à la middle-life crisis de madame, ainsi qu'à la fin de crise d'ado de Mademoiselle.

Le film met rapidement mal à l'aise, et c'est probablement le but recherché.

Entre une Mia Wasikowska totalement mutique, Nicole Kidman en mode "ruinée par l'alcool" et Matthew Goode qui en fait beaucoup trop pour être sincère, on est rapidement gêné par ce petit théâtre familial plus énervant que déroutant.

Park Chan Wook cherche manifestement à jouer avec les codes du film d'horreur et du grand guignol pour créer un univers gênant et second degré. Exercice très compliqué, qui tourne ici rapidement à la catastrophe, à force de personnages transparents et de transgressions trop calculées. Si l'on sent venir le souffre et la violence dès le début du film, l'ensemble est beaucoup trop foutraque pour créer le moindre sentiment de peur ou, même de gêne, et fait même franchement sourire devant des sorties de pistes assez irréelles qu'occasionnent les quelques flashbacks (la scène de la douche restera un grand moment embarrassant dans la carrière de la jeune actrice).

Difficile de rester accroché à  cette histoire de faux semblants, qui ne semble exister que pour faire arriver un twist un peu attendu. Au milieu de ce triste spectacle, un grande actrice à la dérive (Kidman, qui tente de refaire le coup de "les Autres", 12 ans déjà, c'est moche) , beaucoup de violence gratuite, ainsi qu'un curieux attelage de seconds rôles et de caméos (le réalisateur de Springbreakers, Dermot Mulroney et même Judith Godrèche..) qui finit de rendre ce "Stoker" totalement irréel.

Que Park Chan Wook ait du talent, c'est une évidence.

Mais pourquoi avoir voulu adapter pour son premier film américain ce scénario insipide ("oeuvre" de Wentworth Miller, héros de Prison break, oui, oui) avec une équipe de has-been et de wanna-be ? 

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Les voies de la distribution sont parfois impénétrables. Presqu'un an après sa présentation en compétition à Cannes, le film de Jeff Nichols trouve enfin le chemin de nos salles, pour notre plus grand bonheur. Car le jeune cinéaste était très attendu après son coup de maitre Take Shelter, un des meilleurs films de l'an dernier.

Changement de décor puisque l'on quitte les plaines du Midwest pour l'Arkansas et l'estuaire du Mississipi. Mais c'est toujours au beau milieu de nulle part que Jeff Nichols aime à poser sa caméra, dans une Amérique qui n'est pas la plus belle que l'on connaisse, mais qui est là-encore une des plus mystérieuses. Mais ici, ce n'est plus la paranoïa d'un adulte que l'on découvre, c'est le regard d'un adolescent.

Celui d'Ellis,14 ans à peine et déjà une folle envie d'être un adulte. de se battre comme un grand. De connaître l'amour comme un grand. De repousser les frontières de son petit monde étriqué, ce qui l'amène avec son ami Ned à découvrir une île créée sur le fleuve par la dernière crue. Sur cette île, il y a un bateau échoué dans les arbres. Mais dans ce bateau, il y a Mud, un homme en fuite dont l'île sert de refuge. 

Il y a dans "Mud" tout ce que l'on peut adorer dans le cinéma indépendant américain. Des loosers à tous les étages d'abord : parents paumés, copines en perdition, retraités bourrus...le monde d'Ellis ne semble fait que de perdants magnifiques, qui ont tous raté quelque chose à un moment de leur vie. Comme ce cousin un peu frappé qui ne fait que passer dans le récit comme un ombre, parfois caché derrière son imposant masque de scaphandrier.

Et puis surtout ce Mud. Un fuyard, un menteur, presque un clochard, qui garde pourtant un incroyable pouvoir d'attraction sur les deux adolescents. Matthew Mcconaughey, (une fois de plus incroyable après "Magic Mike" et surtout "Killer Joe"), lui prête sa nonchalance toute sudiste, son accent trainard et son regard vide. Mais jamais le film ne cède à la facilité pour se concentrer sur lui, c'est bien dans les pas d'Ellis que l'on reste, c'est lui qui va devenir petit à petit le lien entre Mud et ce qui lui reste. Une vie par procuration qui l'emmènera courir après la petite amie perdue, se frotter à quelques rednecks revanchards peu recommandables, et fouiller dans son passé. Rarement un adolescent n'avait été filmé avec autant de délicatesse, surtout dans un film de ce genre..

L'autre grande force du film, c'est son cadre. Les grands espaces américains ont toujours servi d'écrin rêvé aux histoires les plus incroyables. Ici le fleuve Mississipi est presqu'un personnage : on le respecte, on l'observe, on ne veut pas le quitter. Et quand on s'en éloigne, c'est pour plonger dans le dédale des petites villes tristes et bétonnées. A la manière d'un Terence Malick un peu timide, Jeff Nichols nous ballade dans son île pour en découvrir les secrets, rendant presque mystique ce Mud habillé de blanc qui semble à chaque fois jaillir de la végétation luxuriante.

Et puis il y a cette lenteur assumée du récit, complètement raccord avec les paysages et les petites villes tranquilles qui lui servent de décor. Une lenteur qui n'est qui artifice, pour mieux surprendre quand le récit accélère brusquement dans la dernière partie du film. Si la beauté de l'image et les personnages nous avaient jusqu'ici tenus en haleine, c'est l'émotion qui prend alors le relais. Celle d'un ado pas encore complètement adulte qui prend en pleine figure la brutalité du monde qui l'entoure.

Au final, "Mud" est beaucoup de choses : un conte moderne et cruel, la renaissance définitive d'un acteur fascinant, la confirmation d'un grand cinéaste américain. Mais avant tout un grand film. 

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