Une bande d'adolescents plus vraiment enfants mais vraiment pas adultes, dans un petit lycée de la banlieue de Los Angeles. Ils s'ennuient la plupart du temps, suffisamment pour s'occuper en visitant de nuit les demeures des nombreuses célébrités du coin. Dans de vastes villas régulièrement inoccupées, les virées nocturnes de shopping gratuit se multiplient...

 

L'adolescence, la lumière, le charme, la vacuité...pas de doute, on est bien chez Sofia Coppola qui tresse patiemment une œuvre à la fois très cohérente et un peu trop uniforme. Depuis son  chef d'oeuvre absolu "Lost in Translation", la cinéaste est presque oisive, préférant se concentrer sur de petits sujets et des personnages simples plutôt que chercher le grand film. De préférence  à la maison, et entourée de la famille (papa et frangin sont producteurs). Une nonchalance qui a d'ores et déjà perdu pas mal de monde en route...

 

Mais le talent de Sofia Coppola est néanmoins intact. Malgré la futilité de ses sujets, elle continue à savoir hypnotiser avec à peu près n'importe quoi, soignant une facture visuelle de très haut niveau. Malgré le déferlement de fringues et de bijoux, le film parvient en effet (petit miracle) à ne jamais être vulgaire ou outrancier. il est léger, cynique, ironique, moquant la dramatisation bien américaine de virées au final pas dramatiques. Regardant avec tendresse et ironie ces ados qui ne doutent de rien, et surtout pas qu'une soirée en boîte correctement postée sur Facebook est le début de la célébrité.

 

Grâce au métier de la réalisatrice, grâce à une magnifique photo, grâce à ces jeunes acteurs frais et spontanés, le film déroule tranquillement sa pelote jusqu'au moment où ils sont rattrapés par la patrouille. Une collision au ralenti entre l'innocence libre des ados et une dure réalité. Une collision qui ouvre la boîte de Pandore : trahisons, tromperies, hypocrisie, le rêve de l'amitié parfaite s'évapore sous l'oeil des caméras dans le ciel de Los Angeles, et sur quelques plateaux télé.

 

Comme pour la dernière image de "Marie-Antoinette", l'adolescence est bien terminée. L'âge adulte est là, il les a rattrapés. 

 

 

 

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Après un premier épisode rafraichissant et réussi, l'insatiable J.J.Abrams se paye donc une deuxième résurrection de la saga la plus geek du monde, avant de s'attaquer à un autre monument de la culture populaire. Avant de tenter une impossible prequel de Star Wars sous le patronage de Disney, le très actif réalisateur-producteur s'offre ainsi un joli galop d'essai sans trop de pression dans le registre du vieux space opera remis au goût du jour. Et si le deuxième épisode d'une franchise peut être très risqué (on a vu des naufrages assez dramatiques voire carrément pathétiques), c'est mal connaître M.Abrams que de s'imaginer qu'il va tomber dans les pièges les plus évidents.

Car malgré sa production télévisuelle récemment un peu décevante, le nouveau meilleur copain de Mickey a dans sa besace toutes les recettes pour réussir un sympathique blockbuster des familles. Visite guidée...

 

1/ Un scénario béton

Cela peut tomber sous le sens, mais le monde du blockbuster ne permet pas, comme le cinéma d'auteur, de se passer d'un scénario animé, de personnages multiples, et de dialogues cinglants. Il faut que ça bouge, que ça vive, que les protagonistes n'arrêtent pas de courir (plutôt que de passer des heures à discuter sur le sens de la vie, suivez mon regard) et que le spectateur bon enfant soit surpris de temps en temps. Mission parfaitement remplie ici avec cette histoire à tiroirs multiples, qui commence comme une bonne vieille chasse à l'homme pour dérailler doucement mais sûrement vers une gigantesque bataille pour la survie. Pas de quoi tomber de son siège, mais une bonne histoire rondement menée.

 

2/ Des héros sympas

Les anti-héros dans le blockbuster estival, ce n'est pas recommandé. Alors bien sûr, tous ces membres d'équipage ont leurs défauts, mais ceux-ci les rendent instantanément sympathiques. Entre Spock et sa rigidité innocente, Kirk la tête brûlée et la tribu d'éternels râleurs, on a vraiment l'impression d'être invité à bord avec une bande de bons copains dont on va pouvoir se moquer, mais qu'on aime beaucoup. Et comme les acteurs sont tous parfaitement à l'aise dans leurs baskets, ça marche à chaque fois... qu'ils s'envoient des fleurs, des vannes, ou qu'ils se prennent franchement la tête. une vraie colonie de vacances !

 

3/ Un méchant charismatique

Tous ces petits jeunes sont franchement sympathiques, mais il faut quand même unifier la troupe. Pour ça, rien de plus efficace qu'un grand méchant loup mystérieux, insaisissable et accessoirement invincible, histoire de mettre un peu de challenge et de tenir sur la durée. C'est l'anglais Benedict Cumberbatch qui s'y colle, avec une aisance surprenante. Tout en charisme et en premier dégré, il tient incroyablement bien son personnage de psychopathe surpuissant, et donne un relief inespéré à cet ensemble au départ plutôt guilleret. Et enfonce le pauvree Eric Bana qui avait bien faire rire tout le monde avec ses tatoueurs de proxénète thaïlandais dans le premier épisode. 

 

4/ Un peu d'humour

Même si on parle de guerres, d'attaques terroristes et de morts violentes, on est quand même là pour s'amuser sans se prendre tout le temps au sérieux. Idéal pour détendre l'atmosphère, la petite vanne au milieu d'une gestion de crise qui permet de décrisper tout le monde. (sauf Spock évidemment, mais on le voit bouger un sourcil de temps en temps)

 

5/ Des références

Avant de reprendre la grande oeuvre de Georges Lucas, J.J.Abrams paye ses respects à tonton Georgie et tonton Stevie avec une ouverture qui reprend très clairement Indiana Jones, sa tribu d'indigènes déchaînés, et même son coup de pistolet un peu facile... Et c'est pas la première fois que le réalisateur met (avec succès)ses pas dans ceux de Spielberg...

 

6/ Pas de risques artistiques

Là encore, le blockbuster n'est pas toujours propice aux expérimentations artistiques singulières (demandez à ceux qui ont perdu deux dixièmes à chaque oeil pendant Thor). Rien de ça ici : c'est propre, net, clair, il ne manque pas un boulon à chacun des magnifiques vaisseaux, et chaque extra-terrestre  est mieux maquillé que Linsday Lohan au démarrage de la fête de la bière. Du bon boulot.

 

6/ Une GRANDE scène d'action

LA scène dont on va reparler en sortant, qui va rester, et qui va même prendre le dessus sur un ensemble parfois un peu mou en terme de castagne. Ici, une homérique sortie dans l'espace en mode Space Mountain qui nous ferait presque aimer la 3D. Le genre de scène qui vous scotche à votre siège et vous donne envie d'applaudir à la fin. L'équivalent de la tour Burj Khalifa pour Mission Impossible, ou de l'autoroute espagnole pour Fast and Furious 6.

 

7/ Le meilleur pour la fin

C'est souvent ici que le bât blesse : dur, dur de remplir plus de 2 heures sans coup de mou. Il faut donc garder les séquences les plus spectaculaires et les plus héroïques pour le dernier tiers du film, et ne surtout pas griller toutes ses cartouches dans la première demi-heure. D'où trois derniers quarts d'heure en mode non-stop, qui enchaînent crashs, surprises et rebondissements chassant le moindre temps mort.

 

 

En fait, le seul reproche que l'on peut faire à ce Star Trek, c'est d'avoir appliqué tous ces commandements à la lettre, qui font du film un objet particulièrement réussi, mais trop sur ses rails. Il manque un sale gosse pour mettre un peu en dessus-dessous ce blockbuster un peu trop polissé. J.J.Abrams n'a pas trouvé son Ian Solo sur ce coup là qui aurait pu faire de cette suite une réussite totale.

Mais au vu des autres livraisons estivales, particulièrement en terme de SF ou de supers héros moisis, on s'en contentera largement.

Le fan de base qui sommeille en chacun de nous sera peut-être moins conciliant pour Star Wars Episode VII... 

 

 

 

 

 

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C'est déjà l'été dans les salles ! C'est même la fête nationale, qui donne lieu sur la plus belle avenue du monde à un joli défilé de gugusses en tous genres, sous le haut patronage du chef de l'état et de quelques uns de ses acolytes venus de coltiner avec une légitime fierté la revue des troupes.

Mais pour Hector, Bertier, Charlotte et Truquette (!), il est surtout temps de quitter les pavés parisiens pour une improbable équipée vers les plages du Sud-Ouest, avec un frangin qui devient rapidement envahissant...

 

Avec un pitch de cet acabit, on pourrait s'attendre à une énième comédie estivale lourdingue, et c'est exactement le contraire qu'on voit défiler.

Avec une grande liberté et une réjouissante originalité, La fille du 14 Juillet est un film d'une légèreté absolue, dont le scénario éclaté et le peu de soucis de la logique font franchement plaisir à voir. A contre-courant du gag préfabriqué ou de la grosse mécanique, cette histoire n'est que digression, fantaisie...voir même franche déconnade, sans méchanceté, ni vulgarité, mais avec une bonne humeur hautement contagieuse.

 

Il n'y a qu'à voir ce générique façon Benny Hill des présidents de la République le 14 juillet, pendant lequel il est fièrement annoncé que le film a été financé par ... les deux plus belles régions de France. Il n'y a qu'à voir ses personnages sensibles, un peu lunaires, presque décalés par rapport à leur époque qui va trop vite. Ou encore ce faux médecin avec de sévères troubles du comportement, qui donneront lieu au dîner le plus drôle filmé depuis des lustres. Ou encore ses ces deux grandes andouilles tradi fin de race qu'on jurerait avoir vus à la manif pour tous cette année

 

Et puis il y a Vimala Pons, à  CRO-QUER. Le charme, l'innocence, la fraicheur incarnée, sans jamais trop en faire, mais toujours avec une conviction suffisante pour nous garder avec elle dans son petit voyage.Le tout dans une photo surannée, qui donne au film des faux airs de la Nouvelle Vague, et contribue à son charme désuet et rayonnant.

 

Un film aussi frais qu'une bonne glace dans la chaleur de l'été.

Un film qui change des comédies préformatées pleines de guest stars paresseuses et de dialogues tièdes.

 

Un film qui fait du bien.

 

 

 

 

 

 

 

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L'histoire plus vraie que nature de Richard Kuklinski, tueur à gages de son état, connu pour congeler ses victimes afin de compliquer le boulot des légistes. Un petit homme de main qui a plus d'une centaine de morts sur la conscience, alors qu'il se faisait passer auprès de sa famille pour un paisible agent de change.

 

Malgré son (lourd) tampon "histoire vraie", la vie de cet homme de glace a malheureusement un air très fort de ... déjà vu. Prenez une grosse pincée de Scorsese période "Affranchis", rajoutez une pincée de "l'adversaire" pour le père de famille mensonger, prenez tous les films récents où vous avez vu Michael Shannon serrer la mâchoire, et servez bien froid. Coincé par sa fidélité à son histoire vraie, complètement écrasé par ses prestigieux modèles, le réalisateur Ariel Vromen ne parvient jamais à donner à son film une once d'originalité, ou d'explorer autre chose que sa fascination pour cet homme à la fois violent et aimant. D'où une désagréable sensation d'avoir déjàvu une bonne dizaine de fois tout ce qu'on nous montre à l'écran, y compris le combat intérieur et la chute d'un Michael Shannon toujours sur la brèche quand il faut incarner le grand calme inquiétant pas très loin de fondre les plombs.

 

Ceux qui n'ont jamais vu un film de Scorsese ou un film avec Michael Shannon trouveront probablement leur compte dans cette épopée tragico-familiale très violente. Les autres en seront réduits (comme souvent dans ce genre de films) à compter les seconds rôles tenus soit par d'anciennes stars dans leur rôle désormais unique (Ray Liotta en mafieux pour la vingtième fois en trois ans, Winona Ryder en femme triste, et Stephen Dorff en junkie), ou alors par des copains venus s'encanailler sur un petit film (James Franco et Chris "Captain America" Evans).

 

Mais l'apparition la plus irréaliste est quand même celle de David Schwinner. L'ancien Ross de "Friends" a beau faire tous les efforts du monde en transformant sa voix, et en se cachant derrière postiche et moustaches, on ne voit que ça : Ross qui négocie un deal de coke avec deux latinos défoncés. A ce moment là, on est très loin de Scorsese...

 

 

 

 

 

 

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Un vaisseau qui se crashe sur la Terre devenue un espace inhospitalier (parce que les vilains humains  l'ont allègrement bousillé il y a des milliers d'années, comme d'hab). Le fiston à son papa général coincé suite à l'accident doit parcourir une centaine de kilomètres dans une jungle hostile pour aller chercher une balise de survie.

 

Le croisement de deux stars de ce niveau aurait pu être un événement... il y a 10 ans.

Réunir M.Night Shyamalan et Will Smith aurait eu quelque chose du blockbuster ultime au début de années 2000. Mais voilà, Hollywood a (beaucoup) changé depuis. Le règne des stars est terminé, laissant place à celui des franchises. Et le réalisateur n'est plus le golden boy d'un système qui déploie le tapis rouge aux auteurs capables d'emballer des blockbusters. De petit génie, Shyamalan a progressivement glissé vers le statut d'auteur maudit (au mieux) ou de tâcheron irrattrapable (voir sa dernière livraison qui a beaucoup fait rire).

 

Résultat : ce blockbuster expérimental a un petit côté anachronique qui se savoure plutôt bien. Avec sa star productrice et son réalisateur indépendant, il est en opposition totale avec la méthode de fabrication actuelle de ce type de films, basé sur la toute puissance du studio et de gentils acteurs qui prennent leurs cachets sans trop discuter. Rien que pour ça, After Earth mérite un petit détour.

 

Pour le reste, le simplisme absolu de l'histoire et la morale assez douteuse a fait se lever nombre de boucliers contre une influence scientologue supposée.

Peut-être, il n'empêche qu'on ne ressort pas de la salle convaincu de quoi que ce soit, on peut donc laisser cet aspect de côté. Ce qui rend le film parfois intéressant, c'est cette façon permanente de se décaler du manuel du blockbuster : un rythme traînant, très peu d'humour, une star bloquée sur son siège, peu de personnages... on est pas encore dans le film expérimental, mais le talent goût intact de Shyamalan pour l'originalité de la forme et du fond fait quand même du bien en ces temps de standardisation absolue.

Malheureusement, le fil narratif est d'une faiblesse problématique, qui empêche le film d'aller plus loin que de son concept. Le sujet et l'aridité scénaristique se prêtait à de la contemplation, de la réflexion, du doute.

Mais Shyamalan refuse systématiquement de donner dans la métaphysique, pour mieux se retourner vers le parc d'attractions avec ses montagnes russes (les petites bébêtes, la bébête qui vole, la très grosse bébête), jusqu'à une fin hyper attendue et douloureusement facile. Car c'est bien l'émotion simple qui intéresse son Will Smith de producteur, ravi de pouvoir donner de grandes leçons de vie sur le courage et la filiation...un Will Smith d'ailleurs très convaincant dans un rôle compliqué. On ne peut pas en dire autant de son fiston, pas encore un acteur, qui ne tient jamais ses scènes émotionnelles correctement. Les ravages du népotisme en image...

 

 

A l'arrivée, rien de transcendant donc, pour ce curieux film un peu pataud. Mais ce n'est pas un Marvel, ni une suite, ni un reboot, ce n'est pas trop désagréable visuellement et... pas trop long.

Pour commencer l'été, on s'en contenterait presque...

 

 

 

 

 

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Un petit retardataire, venu en droite ligne de Cannes mais sorti avec moins de bruit que ses petits camarades, et ce n'est pas son absence du palmarès qui va renforcer la notoriété d'un film italien métaphorique de 2h20.

Mais malgré sa rudesse, malgré ses écarts, malgré l'attention constante qu'il demande, cette "grande beauté" mérite vraiment un arrêt en salles pour ceux pour qui le cinéma n'est pas seulement une affaire de scénario, mais reste parfois une affaire de sens, de lumière, de temps qui s'écoule doucement.

 

Le film est exigeant, mais il n'est jamais hermétique. Il part dans tous les sens mais revient toujours au même endroit : le regard fatigué et ironique de Jep, cet ancien écrivain (un seul roman) devenu le roi de la nuit romaine. De ces nuits, on verra à la fois la folie et la calme, la débauche et la cérébralité. Tout cela pour un trip, un voyage, du cinéma d'auteur parfois sans queue ni tête. Tout comprendre est inutile, il faut lâcher, se laisser emporter par ce flot irrégulier d'images nocturnes et de conversations en apparence banales.

 

Car contrairement à un Nicolas Winding Refn qui tourne sur lui même en se regardant le nombril, Paolo Sorrentino regarde partout ailleurs. Il regarde sa ville, il regarde ses habitants, il regarde les animaux, lur,s les toiutes, il regarde même les touristes. Sa caméra est insaisissable, elle bouge, découvre, se rapproche s'éloigne. Dès cette scène d'introduction totalement hypnotique,  c'est un inévitable touriste japonais qui donne le ton, s'écroulant devant tant de beauté...

 

Dans ce voyage au cœur de la nuit romaine, vous croiserez une girafe, des flamands roses, une peinture d'enfant, un chirurgien esthétique tout droit sorti de Brazil, une bonne sœur et même Fanny Ardant au coin d'un escalier, sublime apparition furtive... Vous entrerez dans des palais perdus et apprendrez qu'à partir d'un certain âge, on peut décider de ne lus faire "que ce que l'on a envie de faire". Sous la houlette de l'incroyable Toni Servillo, vous pourrez vous confronter au vide de l'existence comme jamais...

 

 

Pas toujours très équilibré, long et perturbant, le film ne se donne pas facilement. Mais si l'on ne comprend pas toujours ou Sorrentino veut nous emmener,  on en ressort léger comme une plume, charmé par tant de beauté et tant de mouvement...

 

 

 

 

 

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Comment transformer un petit film déluré en grosse machine asthmatique et hypocrite ? Warner Bros et le réalisateur Todd Philipps ont la délicatesse de nous apporter la réponse en salles.

 

Very Bad Trip 3, ou le croisement dramatique entre les mauvaises habitudes des studios (photocopie et agrandissement + grosse campagne de pub) et une équipe en bout de course qui n'a plus rien à proposer, et qui tourne sur elle-même pendant les 100 minutes d'un film d'une abyssale médiocrité.

 

Le numéro deux n'était déjà pas fameux, recopiant bêtement les scènes du réjouissant premier opus dans une version délocalisée à Bangkok. Celui-là est bien pire...

Ne pouvant pas éternellement retourner le même film, la fine équipe a donc cherché de nouveaux débouchés pour ce troisième (et dernier on l'espère) épisode. Fini les films de beuveries reconstituées, et bienvenue dans un curieux polar parodique mexicano-américain, sans alcool ou presque, qui trimballe le "Wolfpack" de Tijuana à Vegas dans les magnifiques paysages du Sud des Etats-Unis.

Une curieuse façon de se renouveler, qui ne cache pas longtemps la vacuité insondable d'un scénario où la principale activité consiste à courir derrière un Ken Jeong en mode bulldozer, absolument insupportable. Mais ce n'est pas mieux dans l'équipe d'en face, où le pauvre Zack Galfinakis est chargé seul d'alimenter la boite à rires, en rejouant jusqu'à la nausée son numéro de patapouf crétin et inadapté.

 

Voir deux acteurs comiques aussi talentueux se ridiculiser dans cette chose plate et insipide a quelque chose de vraiment insupportable. Et les autres ? Et bien ils sont absolument IN-VI-SIBLES, à tel point qu'on se demande régulièrement ce qu'ils font dans le décor. Je ne sais pas combien Bradley Cooper a pris pour ce film, mais c'est trop.

 

Bref, une vraie foire de la nullité comique et cinématographique : des personnages inexistants, des gags qui tombent à plat, un démarrage d'une lenteur insupportable, le cambriolage le plus mou de l'histoire du cambriolage, et bien sûr son lot de raccourcis désagréables de facilité (tiens, si on allait faire un tour sur le toit du Caesar Palace ?)...

 

Un film pas drôle, pas rythmé, pas intéressant, pas spectaculaire, pas prenant et régulièrement embarrassant.Allons y gaiement : le pire film de l'année à ce stade. Et y a de la concurrence.

 

 

 

 

 

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The Walking Dead (AMC) - Saison 3/partie 2

 

 

Cet article contient des spoilers des saisons 1 et 2

 

2ème partie de saison pour nos morts vivants préférés. Les 8 premiers épisodes de cette saison 3 étaient probablement les tous meilleurs de la série.

Sous l'égide du nouveau showrunner Glen Mazzara, sont-ils revenus aussi brillants de la coupure de mi-année ? Non, à l'évidence.

 

 

On pourra longtemps se demander ce qui a causé cette baisse subite de qualité après une entame aussi maitrisée et aussi riche. Le format 16 épisodes ? (il y en avait 6 pour la première, 13 pour la deuxième et c'était déjà long). Une coupure de mi-saison mal négociée ? Un scénario qui a tout donné sur la mise en place au détriment du dénouement ? Des personnages qui n'évoluent plus ?

 

Car après autant de mouvement et de rebondissements dans les premiers épisodes, cette demi-saison est complètement statique. Les camps sont définis, les pièces posées sur l'échiquier, et il ne se passera plus grand chose jusqu'au grand règlement de comptes, administré en deux temps, y compris dans un season finale extrêmement décevant qui retombe comme une vieille crêpe après quelques coups de feu.

Un manque de souffle qui s'incarne dans le personnage du gouverneur. Déjà assez mal servi par la composition insipide de David Morrissey, ce personnage central devient de moins en moins intéressant au fil des épisodes, pour terminer en vrille dans un excès de folie... ou de n'importe quoi.  Un peu à l'image des cas de conscience et les visions d'un Rick complètement au bout du rouleau, et qui a vraiment besoin de vacances.

Seul le personnage de Merle parvient le temps d'un épisode à bousculer un peu cet ordre établi, et à surprendre...mais il est déjà bien tard.

 

 

Il faut quand même avouer que le décrochage n'est pas suffisamment violent pour faire lâcher la série, qui dispose d'un univers suffisamment riche pour assurer le service minimum. Et qui ne perd pas cette bonne habitude de lâcher certains des personnages centraux à n'importe quel moment, ce qui maintient une forme de suspens en permanence. Mais quand même, quelle déception.

Une tension sur la fin qui est peut-être aussi due aux gros problèmes de production en coulisse, la chaîne AMC ayant réussi à épuiser un deuxième showrunner en deux ans, mettant un beau bordel dans l'équipe.

Une instabilité incompréhensible alors que la série continue à enregistrer des audiences spectaculaires. Espérons que tout cela sera réglé d'ici une saison 4 qui, pour le coup, ne part pas sous les meilleures auspices. 

 

 

 

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En ces temps de festival, et d'invasion de nos écrans par des films d'auteurs ambitieux au formalisme de haut niveau, la programmation nous rappelle que, malgré le déni formel de la météo, cette fin de printemps est aussi la saison des blockbusters. Après "Iron Man 3", et avant le débarquement massif des poids lourds en juin, Universal nous offre le sixième épisode d'une franchise un peu anachronique: "Fast and Furious". Contre la 3D, les costumes brillants de Marvel où les héros tourmentés de DC Comics (qui suis-je ? d'ou viens-je ? ou vais-je ?), on joue la contre-programmation avec des mecs, des vrais.

 

De gros tas de muscles virils qui parlent régulièrement de leurs couilles et qui se regardent dans les yeux avant de se faire la peau, sans oublier de détruire la moitié de la ville qu'ils viennent de coloniser. Des mecs qui  respectent leurs voitures, et pour qui la sécurité routière consiste  tuer le moins de monde possible ne traversant des avenues bondées au dessus de 200km/h.

Et comme on est au XXième siècle, on rajoute quand même quelques femmes qui ne rechignent pas à mettre la main à la pâte, en se frittant allègrement à grands coups de tatanes, mais entre elles uniquement (on est pas des monstres quand même)

 

Fort du gros succès de l'amusant épisode 5, l'équipe de prix Nobels remet donc le couvert de son concept inamovible : des courses poursuites sans fin en ville, à la campagne ou sur autoroute. Comme dans un bon vieux James Bond, le prétexte de ce déchainement de violence est de récupérer une mallette qui contient des codes que pourrait utiliser un grand méchant anglais pour déclencher l'apocalypse. Le tout en jouant en permanence sur l'antagonisme entre l'équipe des méchants (froide, calculatrice, omnisciente), et celle des prétendus gentils formée de repris de justice amusants mais évidemment bordéliques.

 

Le résultat : un joyeux foutoir à base de coups de feux, de pains dans la gueule et bien sûr de tôle froissée. Un joyeux foutoir dans lequel on peut tranquillement ressusciter les morts, se sortir des pires crashs sans la moindre égratignure, soigner une blessure par balle avec un pansement de bébé, privatiser périphériques et autoroutes pour sa séance de kart dominicale, et ne jamais se faire serrer par des flics qui font tapisserie pendant tout le film.

Un joyeux foutoir où la vanne est reine, où personne ne se prend jamais au sérieux, y compris The Rock qui enchaîne avec bonheur les punchlines, vole comme dans "Matrix", et vous expliquera sa manière bien à lui d'ouvrir des distributeurs de sucreries récalcitrants.

 

Sans être transcendant, le film répond plutôt bien à son cahier des charges, en particulier grâce à deux séquences de poursuites énooooormes, qui ne terminent avec des vols planés entre voitures, motos, avion et ... tank, qui font même se lever quelques applaudissements dans la salle, entre les nombreux éclats de rire. Le réalisateur Justin Lin n'est pas John Woo, mais il sait mettre en boîte une petite série Z punchy, ce qui n'est pas forcément donné à tout le monde (voir le récent et pathétique Gi-Joe)

 

Pas de méprise possible, on est bien en présence d'un film d'une débilité absolue et d'une lourdeur pachydermique (il n'y a qu'à voir le traitement consternant des intrigues amoureuses). Mais pour les amateurs d'action facile, qui ne craignent ni l'outrance, ni la vulgarité, et qui veulent juste se payer une bonne tranche de n'importe quoi, il y a définitivement de quoi se laisser tenter.

D'autant que l'épilogue nous annonce l'arrivée pour l'épisode suivant d'un autre grand déconneur du film d'action dégénéré. Presque de quoi être impatient...(presque)

 

 

 

 

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Le succès de Drive était-il impossible à gérer ? Auréolé d'une reconnaissance critique unanime et d'un prix de la mise en scène à Cannes, le duo formé du réalisateur Danois Nicolas Winding Refn et de la nouvelle coqueluche Ryan Gosling a t-il eu les yeux plus gros que le ventre ? On voudrait trouver des explications à cette spectaculaire sortie de route qui risque de faire grincer des dents, et claquer beaucoup de sièges, la couverture médiatique de Cannes ayant réussi à peupler les premières séances d'un film très bien distribué pour un polar art et essai...

 

Pourtant,  rien ne laissait présager une telle descente aux enfers au vu du pitch : une histoire de vengeance brutale à Bangkok entre un gérant de club de boxe, sa mère hystérique et un flic aux méthodes assez expéditives. Le frère du premier a été tué, la ère réclame le prix du sang, le fiston hésite. Un thème vieux comme le monde, une histoire qui tient en deux lignes, mais combien de (très) bons polars ont-ils été bâtis à partir de moins que ça ?

 

D'ailleurs, son scénario, le metteur en scène s'en fout, il n'est pas là pour ça. La musique, le cadrage, les lumières, l'ambiance urbaine, voilà ce qui l'intéresse. Certaimnement pas mettre en images un bête polar de plus, mais bien poser sa marque sur le genre. Proposer un film de pure mise en scène, à base de plans millimétrés, de montage cut, et de dialogues minimalistes, voilà le programme concocté par un Nicolas Winding Refn qui ne se prend manifestement pas (plus ?) pour n'importe qui. L'ambiance de Bangkok, l'exotisme de ses rues et le décor très riche de ses boites de nuits lui donne d'ailleurs toute la matière nécessaire pour en mettre plein les mirettes et trouver le plan parfait à chaque séquence dans des jeux d'ombre et lumières.

 

Mais dès la première irruption de violence, quelque chose coince. Gratuite, volontairement choquante, elle ne s'intègre pas dans le style poseur et kitch du film, et l'on commence à comprendre que le réalisateur ne maitrise pas du tout l'emboitement des pièces d'un puzzle qui devient rapidement indigeste. Du sang, des membres tranchés, des cadavres en gros plans et des néons qui scintillent ne suffisent pas à faire un film.  Entre une Kristin Scott Thomas complètement en roue libre, et ce vieux flic débonnaire qui se ballade dans les rues de la ville en décapitant tout ce qui se trouve sur son chemin, l'exercice de style tourne alors à la farce

 

Errant entre toutes ses références, perdu entre Michael Mann (sans la puissance visuelle), Kim Jee-Woon (sans le second degré) et surtout David Lynch période "Inland Empire" (merci du cadeau), le film ne parvient qu'à donner quelques hauts de cœurs et plusieurs fous rires involontaires. Au milieu de ce long trip ponctué par quelques séquences de karaoké, le pauvre Ryan Gosling traîne son image de beau gosse comme une âme en peine, ectoplasme irréel,  traversant ces règlements de compte sans jamais froncer un sourcil, ne s'énervant que sur le seul personnage à peu près innocent qui... refuse d'enlever sa robe. 

 

On assiste à ce trip halluciné avec stupéfaction, se demandant parfois si le film va réussir à décoller de son maniérisme et de son artificialité. Mais les effusions de sang et les séances de torture se succèdent, grotesques, inutiles, répétitives. Et c'est avec un soulagement certain que l'on accueille le dernier karaoké livré avec le générique de fin, qui met fin à beaucoup de souffrance, autant à l'écran que dans la salle.

Après l'ouverture un peu grotesque de "Gatsby" , on ne peut pas dire que Thierry Frémaux ait eu la main spécialement légère cette année à Cannes (mais il n'y a pas que ça heureusement). La perspective de voir Ryan Gosling sur les marches aurait-elle pesé dans la balance ? Un Ryan Gosling qui enchaîne les sorties hasardeuses depuis "Drive", et qui ferait bien de prendre quelques vacances...Car sur ce coup là, même Dieu pourrait ne pas lui pardonner cet OVNI boursouflé, sans souffle, sans âme.

 

 

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Un aéroport.  Une femme qui tente vainement d'appeler un homme qui ne peut pas l'entendre a cause de l'épaisse vitre qui les sépare déjà. Le dialogue, hésitant,  muet, ne dure que quelques secondes,  la scène est magnifique.

 

Ce n'est pas la première fois que le réalisateur Asgar Farhadi se concentre sur une simple vitre, tourne autour d'un homme et d'une femme avec cette infinie légèreté, pour évoquer pourtant des sentiments durs, des drames, des déchirements. Car déjà,  les deux protagonistes sont distants,  polis, presque trop. La rancœur affleure sous les sourires de façade, et dans les petits reproches d'un couple qui reprend ses marques. Il vont régler leur divorce. Elle veut définitivement tourner la page et refaire sa vie avec son nouveau compagnon, il ne semble pas vraiment savoir ce qu'il veut, ou même ce qu'il fait ici.

 

 

Le passé est bien un des personnages du film. Peut être le plus présent,  celui qui accompagne le trio a chaque scène, celui qui est en arrière plan de chaque dialogue.

Car chacun d'entre eux semble véritablement prisonnier de ce passé si lourd,  incapable de faire place nette pour repartir de l'avant. Il ne faut ici pas trop en dire, car ce passé se dévoilera, au fur et a mesure que chacun d'entre eux le ressasse, le retourne, le questionne. L'ambiance s'avère vite étouffante, filmée quasi exclusivement à l'intérieur dans une cuisine, à l'arrière d'un pressing ou encore dans une voiture.

Car le cinéma de Farhadi ne semble tirer son intensité que de ces tunnels de dialogues qui nous dévoilent petits à petits les personnages, qui soulèvent doucement le voile sur ce passé que chacun d'entre eux semble vouloir fuir. il n'en faut pas plus pour faire surgir des blessures récentes ou anciennes qui n'ont jamais cicatrisé, pour monter des membres d'une famille l'un contre l'autre...

 

C'est alors dans la direction d'acteurs que le metteur en scène iranien réalise encore une fois des prodiges. Même si Tahar Rahim se sort bien d'un rôle difficile,  même si les enfants sont d'une fascinante justesse, ce sont bien les deux anciens amants qui illuminent le film. Ali Mosaffa d'abord,  l'ex sur le retour presque forcé.  Calme, philosophe, magnétique, presque résigné,  il semble être parfois la personne la plus sensée de ce tourbillon avec cette sagesse toute persane. Mais ne serait ce pas aussi la plus lâche ?

 

Bérénice Bejo ensuite. Littéralement transfigurée,  habitée par ce rôle tout en détermination et en colère,  l'actrice réussit a tenir l'intensité étouffante de cette mère déterminée a ne pas laisser le passé lui barrer le chemin. Une performance admirable, qui pourrait bien rapprocher la française d'un prix d'interprétation à Cannes(Deux ans après son passage remarqué pour The Artist)

 

Tout cela pour 140 minutes de cinéma intense et puissant, qui ne cherche jamais l'artifice de mise en scène, juste une mise à nu sur le cordeau d'une avalanche de sentiments contradictoires.

Un cinéma qui parvient à ne jamais juger ses personnages, à toujours leur laisser une porte de sortie, à ne jamais les condamner alors que le spectateur l'a déjà fait. On ne traite pas de morale ici, mais d'humain. Et dès que l'on cherche une porte de sortie, une leçon, un point d'accroche dans ce tourbillon, le scénario nous ramène quasiment au point de départ.

 

Apres un film aussi extraordinaire et acclamé que "Une Séparation", on aurait pu craindre que la greffe ne prenne pas entre le cinéma si profond de Farhadi et la banalité d'une banlieue parisienne traversée par le RER.

La réussite éclatante de ce film si fort et si profond vient confirmer ce que beaucoup avaient cru déceler dans les couloirs de Téhéran.

Que ce que nous dit Asgar Farhadi n'est ni persan, ni parisien, mais bien universel.

Que le plus terrible après tout, c'est que chacun a ses raisons. 

 

 

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Justified (FX) - Saison 4 

 

On se dit que Justified pourrait continuer encore une bonne quinzaine de saisons. L'exemple parfait de la série qui a trouvé la bonne recette et l'équilibre pour dérouler ces intrigues sans jamais que l'on aperçoive la moindre lassitude à l'horizon. Et après une saison 3 avec le pied sur le frein, le créateur Graham Yost a manifestement passé la vitesse supérieure pour nous offrir probablement sa saison la plus maîtrisée.

 

Car le fin fond des Etats-Unis est toujours aussi agréable, avec ses petites intrigues de comptoirs, sa drogue qui coule à flot, et surtout ce défilé interminable de bouseux et truands débiles sortis d'un film des frères Coen (de la grande époque). Pas facile d'être Marshall dans ses conditions, surtout quand la mafia met la région à feu et à sang pour retrouver un traître à la cause qui s'est fait passer pour mort. Toutes les petites frappes locales entrent dans la danse, ainsi que la FBI, Boyd Crowder (l'éternel alter-ego du Marshall Rayland Givens) mais aussi le père de ce dernier qui continue ses magouilles depuis sa prison. Une vraie fête de famille dans le comté d'Harlan, au Kentucky.

 

On pourrait penser que Justified "ronronne" après trois saisons. Ce serait oublier la qualité d'un scénario qui préserve de manière exemplaire l'équilibre entre l'action à court terme (l'épisode) et à long terme (une intrigue en arrière plan filée sur toute la saison, ici la recherche d'un fantôme). L'intrigue de fondd est ramraquableement bien amenée, et permet régulièrement de soretir de nouveaux personages, de nouveaux enjeux, et quelques surprises...

 

Ce serait oublier ausssi une qualité de dialogues et de langage inimitable, dont beaucoup de séries pourraient prendre de la graine. Les saillies de Boyd Crowder tout en rythme et en accent sudiste mériteraient presque un article dédié. Avec des personnages toujours aussi hauts en couleur et cette habitude de flinguer à tout va, Justified est probablement ce qui se fait de mieux en série B du câble en 13 épisodes.

 

Et toujours, au somment de ce tas de fumier, l'imperturbable Timothy Oliphant, son cynisme en bandoulière et sa gâchette facile. Le salle gosse, l'indiscipliné, le mari indigne, mais pourtant, le héros du début à la fin.

La saison termine avec une bière entre les tombes, sur un air de Country dont le ton traînant résume à lui seul toute la série.

You'll Never leave Harlan Alive.

 

 

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Ce "Gatsby", qui a lancé le festival de Cannes sous la pluie, risque de ne pas forcément soulever les foules. Car quelques années après avoir brillamment revisité Paris et le Moulin Rouge, le plus kitch des réalisateurs australiens semble parfois s'être  complètement perdu dans les méandres du roman de Fitzgerald. 

 

Tout commence pourtant comme prévu.  New York en 1922, la folie, les couleurs, l'Amérique d'entre eux guerres déjà triomphante,  vue par l'étroit scope de sa mégalopole déjà la plus délirante. Sous le regard de ce jeune homme émerveillé,  la vie ne semble être qu'une immense promesse et un grand mystère. Comme ce Gatsby, richissime et secret gentleman qui enivre toute la ville avec ses soirées fantastiques et sa classe irradiante. La vie ne semble alors qu'être une suite de délices et une soirée sans fin dans des palais de rêve,  a peine troublés par la misère qui affleure lorsque les gentlemen huppés vont s'encanailler entre Manhattan et Long Island.

 

Et si il y a bien quelqu'un qui sait comment rendre une soirée inoubliable, c'est bien Barz Luhrmann. Dans un festival de couleurs, dans des décors hallucinant et avec une bande originale a tomber par terre, le réalisateur ne manque pas son entrée. Les premières minutes résonnent alors comme une promesse, celle d'un film dédié au mystère et au plaisir, à une ballade dans le temps suffisamment enivrante pour captiver,  et tant pis si il ne s' y passe pas grand choses tant l'ambiance est festive, et les images belles. On serait alors presque prêts a pardonner une 3D bien inutile (qu'on imagine volontiers poussée par la Warner pour arrondir les recettes d'un blockbuster d'auteur risqué,  qui a du coûter fort cher...)

 

Mais lorsque le film se focalise sur l'histoire d'amour impossible, toute sa folie semble alors s' évaporer plus vite que quelques bulles de champagne. Lourd, démonstratif,  usant des procédés narratifs les plus éculés (les envahissants flashbacks n'ont jamais été si didactiques), "Gatsby" devient alors une très longue tragédie amoureuse qui ne se soucie jamais de rythme, ou de beauté. Prisonniers de cette histoire sensée être poignante, les personnages se noient alors dans leur grand décor kitch, qui étouffe toute émotion.

 

Et malgré tous les efforts des grands acteurs rassemblés pour l'occasion, le film dérive alors (très) lentement jusqu'à la tragédie finale, dans un parcours jonché de scènes théâtrales très désagréables, à l'image de ce huis-clos irréel dans une chambre d'hotel. Une pièce de boulevard empesée où le personnage de Gasby explose enfin... mais c'est pour mieux se calmer immédiatement,  et basculer vers un fait divers tragique qui tombe alors comme un cheveu sur cette soupe bien indigeste. La musique n' est presque plus là et l'on entendra alors quelques notes de la sublime reprise de "Love is blindness" de Jack White entre deux voitures qui dérapent...ultime aveu d'impuissance d'un réalisateur qui semble ne plus vraiment savoir comment faire cohabiter le roman, ses effets visuels, et sa bande originale... 

 

A l'arrivée,  beaucoup d'ennui après un démarrage en feu d'artifice. Un film qui se dégonfle progressivement jusqu'à un prologue interminable ou les images léchées ont définitivement chassé toute émotions, sans jamais explorer le grand thème du film : la fortune d'un parvenu fascinant, trop beau pour être honnête.

Et malgré le démarrage en fanfare du film au box office américain, on souhaite à Barz Luhrmann de retourner aux films musicaux décapants et délirants, plutôt que de tenter une fois de plus de se frotter à l'Histoire. Après le naufrage d'"Australia" et ce "Gastby", on peut lui avouer : la grande fresque sérieuse, ce n'est définitivement pas pour lui...

 

 

 

 

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L'ancienne meneuse d'un mouvement étudiant contestataire retombe sous les radars du FBI après 30 ans de fuite. Mariée et avec enfants, elle est devenue une citoyenne modèle plusieurs décennies après une époque de lutte, de passions, et de violence. Sa chute fait remonter à la surface le passé de tous ses anciens camarades, eux aussi rangés des voitures, et dont certains vivent toujours sous de fausses identités ..

 

Le film respire la (bonne) nostalgie.

Sous l'apparence du polar mineur, Redford questionne son passé d'homme engagé, ainsi que celui de sa génération. Venant d'un réalisateur d'un certain âge, l'exercice est parfois maladroit et appuyé, mais il est sincère, honnête, et même passionnant par interludes. En particulier dans le défilé de tous ses anciens activistes reconvertis ou non. Ils sont vieux, usés, fatigués. Certains ont abdiqué face au système, d'autres non. Certains veulent se replonger avec nostalgie dans ce passé "groovy", d'autres non.

C'est là que le casting et le très grand carnet d'adresses de Robert Redford jouent leurs rôles à merveille : avec l'impressionnant chapelet de seconds rôles invités (Nick Nolte, Stanley Tucci, Richard Jenkins, Julie Christie, Brendan Gleeson, Chris Cooper, Sam Elliot, Susan Sarandon... ouf !) ), on a presque l'impression de revoir des vieux potes à chaque nouvelle scène. Des gueules cassées, délavées, désabusées, qui personnifient la nostalgie d'une époque révolue, et le sentiment d'avoir perdu.

 

Et heureusement que les anciens sont là, car le film est beaucoup moins réussi sur son côté jeune. Entre Shia Lebaouf un peu ridicule comme toujours, Anna Kendrick pas crédible une seconde en agent du FBI, et Terence Howard à côté de la plaque, Redford ne semble pas savoir diriger les moins de 50 ans aussi bien que ces vieux briscards, et le film en souffre. En rajoutant quelques maladresses de scénario en cours de route (on devine très vite tous les coups de théâtre, plus vite que les enquêteurs...), on est quand même loin d'un polar ciselé que l'on peut prendre au premier degré. 

 

Malgré ces faiblesses assez criantes, le film parvient à dégager une vraie émotion, une vraie nostalgie tout en se confrontant  clairement à l'histoire contemporaine. Le ton désabusé avec lequel Redford revoit les années 60 ne pourra pas plaire à tout le monde, l'abdication étant parfois dure à entendre. Mais quand elle est aussi sincère...

 

 

 

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Une série événement à plusieurs titres.

Très gros budget, mise en chantier par le réseau payant NetFlix, House of Cards est la première salve d'une révolution en cours dans le onde de la fiction télévisée. Les grands networks se font déjà tailler des croupières par les chaînes cablées ("The walking dead" chez AMC et bien sûr "Game of Thrones" chez HBO) que de nouveaux acteurs tentent de se faire une place sur le marché de la série adulte et classieuse, en mettent à disposition en téléchargement TOUS les épisodes de la série le même jour. Et quel projet : 100 millions de dollars de budget pour une saison, portée par un immense acteur (Kevin Spacey) et dont les deux premiers épisodes ont été confiés au metteur en scène le plus hype du marché (David Fincher).

 

Et la série dans tout ça ? Efficace, indéniablement, mais un poil décevante. Car derrière le vernis classe du produit packagé "adulte", "House of Cards" reste quand même une série grand public, qui ne chasse pas sur les terres de l'excellente artistique et de l'exigence d'œuvres comme "Breaking Bad", "Mad Men" et bien sûr "The Wire".

 

Washington DC, le cœur de la démocratie américaine, lieu de bataille permanente entre une Maison Blanche et un Congrès nouvellement élus. Au milieu de ce cirque républicain, Franck Underwood est sensé mettre de l'huile dans les rouages...mais passe beaucoup plus de temps à s'occuper de sa carrière et à saboter les initiatives de ses amis politiques.

Les branches exécutives et législatives intéressent décidemment beaucoup la télé en ce moment. Quelques mois après "Veep" et son angle clownesque, "House of Cards" a choisi celui du cynisme et du tragique, teinté d'un humour grinçant. D'où un Kevin Spacey qui s'adresse régulièrement à la caméra pour sous-titrer les coups tordus et les basses intrigues politiques auxquels il nous convie.

 

Des aventures politiques habituelles à Washington : trafic d'influence, arbitrages budgétaires orientés et coups de billards à cinq bandes pour récupérer les postes les plus en vue. Sans oublier les deux grands classiques de ce type d'administration : la place centrale de l'argent des lobbyistes et  les scandales toxico-sexuels de quelques élus dépravés. On n'oublie pas non plus la presse, à qui notre héros donne la becquée de manière calculée pour que le flux d'infos soit en cohérence avec ses plans machiavéliques.

 

Un grand barnum de la médiocrité humaine toujours réjouissant à observer, surtout quand la partie d'échecs appuie là où le bat blesse : la place invisible du Vice-président, le rapport compliqué d'un député avec sa circonscription, la place de l'argent dans la vie politique. Le problème, c'est que le scénario pourtant assez dense se réserve régulièrement de très grandes facilités, et des twists dramatiques capilotractés. Même facilité du côté des personnages, assez monolithiques et peu nuancés, en tous cas pas assez pour surprendre. Des députés lâches, des syndicalistes jusque-boutistes, des lobbyistes fourbres, des journalistes à l'éthique hasardeuse, une majorité turbulente : tout est finalement assez convenu.

 

Seul le couple formé par Kevin Spacey et Robin Wright y échappe. Fascinant, repoussant, intriguant, ce pas de deux apporte beaucoup de noirceur et de nuance à un ensemble un peu trop bien huilé par ailleurs.

 

Grâce au talent unique de Kevin Spacey pour jouer la canaille manipulatrice, grâce aux gros moyens mis sur la table et grâce à son sujet passionnant, la série reste extrêmement efficace, et suffisamment divertissante pour attendre avec confiance une deuxième saison. Qu'on peut quand même espérer un niveau au dessus. 

 

 

 

 

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Un casse pour un tableau qui tourne mal, et voilà un des protagonistes amnésique, incapable de se rappeler où il a planqué le tableau.

Et comme les techniques classiques à base d'arrachage d'ongles et de claques dans la gueule ne fonctionnent pas, on fait appel à une hypnotiseuse qui, en plus d'être extrêmement douée, a le physique de Rosario Dawson ce qui ne gâche rien. Mais le cobaye est un peu résistant...

 

Dans un monde ou l'on peut hypnotiser un gros dur et le faire pleurer comme une petite fille en moins d'une minute, tout est possible. En particulier superposer façon big mac le rêve et le réel,  le passé et le présent,  le fantasme et la vraie vie. De ce point de départ un tantinet facile, Boyle s' amuse donc pendant une bonne heure a jouer avec les couches de son sandwich en filmant des scènes totalement ubuesques, tout en semant sans la moindre discrétion des indices dont le spectateur perdu ne peut absolument rien faire.

 

Il y a un côté supermalin un peu facile dans la manipulation, puisqu'on comprend en permanence que tout ce cirque est encore plus compliqué qu'il y paraît, sans jamais pouvoir se raccrocher à des pistes tangibles. Le film s' enfonce alors dans ces twists et contretwists, jusqu'à un dernier quart d'heure ou l'on nous déroule gentiment la pelote, flashbacks a l'appui comme dans un Julie Lescaut. Et jusqu'à une scène finale à haut potentiel comique (involontaire ?) qui range définitivement ce Trance dans la catégorie des nanars survoltés.

 

Bref, impossible de trouver le vertige dans un cadre pareil, malgré tous les efforts de Danny qui n'a pas perdu ses bonnes habitudes de metteur en scène qui craint la finesse comme la peste : musique forte, cadrages tordus, éclairages artificiels, violence crue, nudité frontale... la totale. Un bel élan de vulgarité, dans un cinéma tellement adolescent qu'il en deviendrait presque sympathique pour le coup.

 

Cette mis en scène de clippeur sous crack a au moins le mérite de tenir l'ensemble de bout en bout, et le faire tranquillement atterrir dans le tiroir des thrillers insignifiants, mais pas méchants.

Presque de quoi nous faire oublier qu'il y a bientôt 20 ans, le même Danny Boyle avait mis son énergie de Lapin Duracell au service d'un script brillant, porté par une troupe de jeunes acteurs qui avaient marqué durablement le cinéma indépendant des années 90. Le film s'appelait Trainspotting, et il n'a jamais semblé aussi loin...

 

 

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Un accident tragique, une veuve éplorée mais pas trop quand même, et une ado déjà pas folichonne qui devient complètement prostrée : c'est la bonne ambiance dans la famille Stoker.

Heureusement que débarque tout d'un coup un séduisant oncle dont pas grand monde n'avait entendu parler jusqu'ici. Le fringant jeune homme vient donc égayer ce qu'il reste d'une belle famille de vampires, et participer à la middle-life crisis de madame, ainsi qu'à la fin de crise d'ado de Mademoiselle.

 

Le film met rapidement mal à l'aise, et c'est probablement le but recherché.

Entre une Mia Wasikowska totalement mutique, Nicole Kidman en mode "ruinée par l'alcool" et Matthew Goode qui en fait beaucoup trop pour être sincère, on est rapidement gêné par ce petit théâtre familial plus énervant que déroutant.

Park Chan Wook cherche manifestement à jouer avec les codes du film d'horreur et du grand guignol pour créer un univers gênant et second degré. Exercice très compliqué, qui tourne ici rapidement à la catastrophe, à force de personnages transparents et de transgressions trop calculées. Si l'on sent venir le souffre et la violence dès le début du film, l'ensemble est beaucoup trop foutraque pour créer le moindre sentiment de peur ou, même de gêne, et fait même franchement sourire devant des sorties de pistes assez irréelles qu'occasionnent les quelques flashbacks (la scène de la douche restera un grand moment embarrassant dans la carrière de la jeune actrice).

 

Difficile de rester accroché à  cette histoire de faux semblants, qui ne semble exister que pour faire arriver un twist un peu attendu. Au milieu de ce triste spectacle, un grande actrice à la dérive (Kidman, qui tente de refaire le coup de "les Autres", 12 ans déjà, c'est moche) , beaucoup de violence gratuite, ainsi qu'un curieux attelage de seconds rôles et de caméos (le réalisateur de Springbreakers, Dermot Mulroney et même Judith Godrèche..) qui finit de rendre ce "Stoker" totalement irréel.

Que Park Chan Wook ait du talent, c'est une évidence.

Mais pourquoi avoir voulu adapter pour son premier film américain ce scénario insipide ("oeuvre" de Wentworth Miller, héros de Prison break, oui, oui) avec une équipe de has-been et de wanna-be ? 

 

 

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La curiosité est censée être une qualité dans le cinéma.

Ne pas juger le film par l'affiche, et donner sa chance au produit, même si celui-ci sent la débilité profonde à plusieurs kilomètres à la ronde. En particulier pour ce film de lycée qui connaît un gros succès et un bouche à oreille plutôt positif depuis sa sortie.

 

On comprend mieux pourquoi au vu de ce "film" (notez les guillemets) qui, s'il descend dans des abysses insoupçonnables de bêtise et de médiocrité artistique, n'oublie jamais que tout cela est pardonnable par une bonne partir du public si l'on propose un peu de rythme, des blagues pas trop compliquées et des personnages hauts en couleur.

 

Ici, sept profs-catastrophes qui débarquent dans le pire lycée de France, pour le sauver ou le couler, on ne sait plus trop. Le cadre est connu, le réservoir comique facile à exploiter. Et ça marche presque dans le premier tiers du film, où toutes ces hontes de l'éducation nationale se déchaînent sur de pauvres lycéens (presque) innocents. Clavier et Nanty viennent faire leurs petits numéros de vieux routard de la série Z, les lycéens sont aussi sympas et branleurs que prévu, tout le monde s'amuse bien...avec la palme (académique) pour un prof de sport mono-neurone plus vrai que nature. De quoi faire un bon sketch efficace de 20 minutes.

 

La suite est nettement plus pauvre, et incroyablement délayée pour ses 90 minutes. Pierre-François Martin Laval tente de recycler ici son humour issu des Robins des Bois, y compris en se donnant avec une certaine complaisance le beau rôle du grand naïf perché amoureux transi. Les aventures pas intéressantes de l'équipe de choc vont nous amener par étape à un épilogue d'une débilité assez inouïe, incluant un casse surréaliste au Ministère de l'Education Nationale. Le façon dont le scénario prend tous les raccourcis possibles et imaginables pour exploiter une idée narrative assez pauvre (voler les sujets du bac) illustre une paresse d'écriture et de créativité assez criante.

 

La tentative de rap finale résume assez bien le film : naïf, généreux mais écrit avec les pieds, sans aucun goût et à l'arrivée parfaitement ridicule.

Mais on voit tellement de comédies qui sont longues et chiantes en plus d'être antipathiques qu'il est logique que ce petit truc très mal foutu ait pu se créer un bouche à oreille positif. Ca en dit long sur l'état de la comédie française...

 

 

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Les voies de la distribution sont parfois impénétrables. Presqu'un an après sa présentation en compétition à Cannes, le film de Jeff Nichols trouve enfin le chemin de nos salles, pour notre plus grand bonheur. Car le jeune cinéaste était très attendu après son coup de maitre Take Shelter, un des meilleurs films de l'an dernier.

 

Changement de décor puisque l'on quitte les plaines du Midwest pour l'Arkansas et l'estuaire du Mississipi. Mais c'est toujours au beau milieu de nulle part que Jeff Nichols aime à poser sa caméra, dans une Amérique qui n'est pas la plus belle que l'on connaisse, mais qui est là-encore une des plus mystérieuses. Mais ici, ce n'est plus la paranoïa d'un adulte que l'on découvre, c'est le regard d'un adolescent.

Celui d'Ellis,14 ans à peine et déjà une folle envie d'être un adulte. de se battre comme un grand. De connaître l'amour comme un grand. De repousser les frontières de son petit monde étriqué, ce qui l'amène avec son ami Ned à découvrir une île créée sur le fleuve par la dernière crue. Sur cette île, il y a un bateau échoué dans les arbres. Mais dans ce bateau, il y a Mud, un homme en fuite dont l'île sert de refuge. 

 

Il y a dans "Mud" tout ce que l'on peut adorer dans le cinéma indépendant américain. Des loosers à tous les étages d'abord : parents paumés, copines en perdition, retraités bourrus...le monde d'Ellis ne semble fait que de perdants magnifiques, qui ont tous raté quelque chose à un moment de leur vie. Comme ce cousin un peu frappé qui ne fait que passer dans le récit comme un ombre, parfois caché derrière son imposant masque de scaphandrier.

Et puis surtout ce Mud. Un fuyard, un menteur, presque un clochard, qui garde pourtant un incroyable pouvoir d'attraction sur les deux adolescents. Matthew Mcconaughey, (une fois de plus incroyable après "Magic Mike" et surtout "Killer Joe"), lui prête sa nonchalance toute sudiste, son accent trainard et son regard vide. Mais jamais le film ne cède à la facilité pour se concentrer sur lui, c'est bien dans les pas d'Ellis que l'on reste, c'est lui qui va devenir petit à petit le lien entre Mud et ce qui lui reste. Une vie par procuration qui l'emmènera courir après la petite amie perdue, se frotter à quelques rednecks revanchards peu recommandables, et fouiller dans son passé. Rarement un adolescent n'avait été filmé avec autant de délicatesse, surtout dans un film de ce genre..

 

L'autre grande force du film, c'est son cadre. Les grands espaces américains ont toujours servi d'écrin rêvé aux histoires les plus incroyables. Ici le fleuve Mississipi est presqu'un personnage : on le respecte, on l'observe, on ne veut pas le quitter. Et quand on s'en éloigne, c'est pour plonger dans le dédale des petites villes tristes et bétonnées. A la manière d'un Terence Malick un peu timide, Jeff Nichols nous ballade dans son île pour en découvrir les secrets, rendant presque mystique ce Mud habillé de blanc qui semble à chaque fois jaillir de la végétation luxuriante.

 

Et puis il y a cette lenteur assumée du récit, complètement raccord avec les paysages et les petites villes tranquilles qui lui servent de décor. Une lenteur qui n'est qui artifice, pour mieux surprendre quand le récit accélère brusquement dans la dernière partie du film. Si la beauté de l'image et les personnages nous avaient jusqu'ici tenus en haleine, c'est l'émotion qui prend alors le relais. Celle d'un ado pas encore complètement adulte qui prend en pleine figure la brutalité du monde qui l'entoure.

 

Au final, "Mud" est beaucoup de choses : un conte moderne et cruel, la renaissance définitive d'un acteur fascinant, la confirmation d'un grand cinéaste américain. Mais avant tout un grand film. 

 

 

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Apres avoir réussi son improbable cross-over général dans les Avengers, Marvel continue a dérouler sa recette désormais rodée : envoyer sur les écrans un film pour chaque poulain de son écurie,  en attendant de les réunifier dans un prochain Avengers 2. En plus de ce troisième épisode d'Iron Man, nous aurons donc la chance de recevoir un deuxième Thor et un deuxième Captain America sous peu... et si on est bien sage, un quatrième Hulk ?

 

D'ailleurs il déprime Tony Stark, sans ses petits camarades. Depuis l'invasion alien de New-York, il se renferme dans son cocon technologique et mécanique, nous trainant avec lui dans une première partie soporifique qui rappelle les pires travers d'Iron Man deuxième du nom (probablement la pire production Marvel a ce jour). Pas d'action, peu de blagues, juste un couple de petits vieux et leurs scènes de ménage. C'est dire si l'on est content de voir débarquer le terroriste en chef avec ses faux airs de Ben Laden, et son incroyable capacité à pirater les télés américains plusieurs fois par semaine.

 

Donner à ce mandarin des airs réaliste de terroriste du XXIème siècle et jouer ainsi avec son image est une des très bonnes idées du film...qui ne manque pas de très mauvaises par ailleurs, à commencer par une tribu de méchants avec des superpouvoirs idiots dont on a souvent du mal à comprendre la portée.

Et comme Tony Stark est accompagné de seconds rôles plutôt décoratifs qu'autre chose, le film peine à trouver de la consistance, même en faisant exploser consciencieusement la villa californienne du milliardaire. La vision de Gwyneth Paltrow en armure (merci les cauchemars) vient conforter cette impression de blockbuster hésitant et folklorique. Ce n'est d'ailleurs presque plus un Iron Man puisqu'on ne voit presque jamais Tony Stark en armure, cette armure devenant un personnage à part entière.

 

On se traîne alors tranquillement jusqu'aux morceaux de bravoure finaux attendus depuis la bande annonce (la chute libre, l'attaque des armures), bien aidés par le seul vrai second rôle du film : un gamin qui croit rêver quand Iron Man devient son pote. Comme lui, on aimerait avoir un peu plus d'étoiles dans les yeux, un peu plus d'action, un peu plus de rythme, et moins de circonvolutions narratives rarement passionnantes. 

 

Reste l'ironie mordante de Shane Black, quelques bonnes vannes et la décontraction de Robert Downey Jr, qui sait rester cool même dans le plus idiot des scenarios. Mais ce troisième épisode prouve surtout que le bestiaire Marvel a décidemment un intérêt bien limité lorsqu'on isole ses têtes d'affiche dans des films en solo (comme les X-Men, et contrairement à la Justice League par exemple). On attendra donc patiemment le prochain Avengers...

 

 

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Un des rendez-vous au sommet de cette année 2013. Le cinéma français avait mis les petits plats dans les grands pour le croisement tant attendu d'un chef d'œuvre intemporel de la littérature hexagonale avec probablement le seul metteur en scène assez talentueux (et assez téméraire) pour se lancer dans l'aventure. Suffisant en tous cas pour faire rentrer au bercail un Michel Gondry qui commençait à s'habituer aux Etats-Unis, que ce soit dans le registre du blockbuster malin ou du (grand) film expérimental.

 

Mais le défi était de taille, la prose totalement libérée de Boris Vian pouvant sembler sur le coup assez inadaptable. Et malgré le talent indiscutable du metteur en scène, malgré une facture visuelle agréable, malgré le casting 5 étoiles rassemblé (évidemment) pour l'occasion, cette écume n'est pas LE grand film français populaire et intelligent de cette année. Plutôt une tentative honnête mais désespérée de renvoyer en images

 

Le malaise est palpable dès les premières images. L'univers foutraque de Boris Vian est bien là, il est même partout.

Le livre était truffé d'incongruités, d'anachronismes et de machines bizarres ? Dont acte, Gondry ne semble pas vouloir  en rater une seule, et les étale frénétiquement à l'écran, de la souris locale ou piano-cocktail. Mais alors que la prose de Vian faisait dérailler son lecteur à chaque phrase, l'adaptation visuelle donne le tournis, ne permet pas de stabiliser son regard et surtout laisse le spectateur loin de ce qui devient très vite un petit musée gondryesque des idées de Boris Vian. Même si ces effets sont réussis, la grande artificialité de la chose, doublée par l'apparente insignifiance des personnages provoque souvent plus de malaise que de plaisir.

 

Sauf quand Gondry s'arrête. Quand le réalisateur stoppe cette urgence du trop plein visuel pour rester quelques minutes durant dans la voiture nuage, on ressent alors le charme délicieux d'une histoire d'amour naissante au beau milieu de cet univers absurde...mais il faut bien en descendre et retourner sur la piste de danse, de patinage, faire la course dans les escaliers de l'église ou encore aller voir les différents guests (Chabat, Lafitte, Torreton et même Gondry qui s'y colle) faire leur petit numéro

 

Contre toute attente, c'est la deuxième partie du film, après le mariage, qui le rend beaucoup plus intéressant. Plus sombre, parfois même tragique, cette suite de malheur dans un univers à l'agonie donne enfin l'impression que les deux univers se comprennent. Beaucoup plus à l'aise avec la mélancolie qu'avec l'abondance d'optimisme, Gondry file alors un curieux mélo dépressif sur un fond entre Cronenberg (période ExistenZ) et Gilliam (période Brazil).

 

Même si cette longue marche vers l'abîme est moins rythmée, plus dure, parfois hautement dépressive, on a enfin l'impression que l'émotion a investi des personnages qui ressemblent de plus en plus à des humains, et de moins en moins à des robots. On a quitté le musée pour revenir dans un film où les personnages se mentent, s'écharpent, s'aiment, se perdent. Un film où l'univers totalitaire et la pauvreté font enfin froid dans le dos et ne servent plus qu'à décorer l'arrière plan.

Rater son début et réussir sa fin, Gondry ne fait décidemment rien comme tout le monde...

 

Au bout des deux (longues) heures de la chose, chacun se fera donc son idée quand à la conteneur du verre. Mais qu'il soit à moitié vide ou à moitié plein, on aura du mal après une telle attente à ne pas être déçu qu'il n'ait pas débordé. Et comme souvent pour ce type d'adaptation, on a surtout envie à l'arrivée...de relire le livre. 

 

 

 

 

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Ex-star des festivals, vénéré par les cinéphiles comme par les critiques, Wong-Kar-Waï avait été légèrement en retrait depuis quelques années. Une brève parenthèse américaine agréable sans être mémorable (My Blueberry nights). Une présidence au festival de Cannes (pas mémorable non plus, d'ailleurs). Mais peu de longs métrages, d'où l'excitation grandissante de son petit noyau de fans à l'annonce de la mise en chantier d'un film fleuve sur le kung-fu. Et comme à son habitude, le Maitre a pris son temps, embarquant son monde dans un tournage délirant de plus de 3 ans, qui aurait pu désespérer le plus aguerri des producteurs...

 

A l'arrivée, un patchwork étalé sur plusieurs décennies qui suit différents grands noms du kung-fu, depuis l'invasion chinoise jusqu'aux années 60, en s'accrochant à une platonique histoire d'amour impossible entre Tony Leung et Zhang Ziyi (des acteurs dont la capacité à ne plus vieillir depuis une bonne dizaine d'années me surprendra toujours). En traversant le siècle dans l'Empire du milieu, on nous parlera surtout de transmission du savoir, de respect d'un art, d'honneur de ses aînés et de rivalités géographiques entre Nord et Sud.

On verra en arrière plan défiler l'histoire de la Chine et toutes les horreurs de cette période. Et puis l'on verra des combats, à mains nues principalement, souvent accompagnés de pédagogiques explications sur les différents styles. Rarement dans l'outrance et la démesure (on est définitivement pas chez Tsui Hark), et même souvent avec une forme de modestie dans le décor et dans le cadrage de l'action, comme si le film était contaminé par l'ascétisme d'un héros bien flegmatique.

 

Beaucoup de thèmes en somme, malgré une matière narrative pas spécialement riche. Alors évidemment, à l'arrivée, c'est beau. Même magnifique par moments. La classe de la mise en scène, la précision de la photographie, l'œil du réalisateur nous rappellent régulièrement que sous ses airs de blockbuster chinois, c'est bien chez Wong-Kar-Waï qu'on est entrés. Mais avec son montage éclaté, ses ellipses, ses retours dans le temps, on sent à chaque seconde les trois ans de tournage qui ont accouché dans la douleur d'un long métrage finalement pas très équilibré.

 

Car contre toute attente, le film-monstre ne dépasse pas les deux heures, une durée très (trop ?) raisonnable qui le laisse à la fois long et court, ample et comme amputé. Derrière cet amas de pellicule, on voit parfois le chef d'œuvre. Une séquence de danse irréelle dans la  neige pendant l'épilogue avec les arbres et le vent. Un incroyable ballet sur un quai de gare enfumé entre un homme, une femme, un singe et un train qui ne semble jamais vouloir en finir. Pendant quelques secondes, on est tellement transportés que l'on en reprendrait bien pour quelques heures...avant un retour plus tranquille vers un triptyque un peu triste de héros désœuvrés. Ce qui laisse beaucoup de questions en suspens. La plus cruciale d'entre elles étant : y avait-il autre chose sur la table de montage ?

 

 

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Un bled au milieu de la Pennsylvanie, à l'Est de Etats-Unis. Pas très éloigné des triomphantes mégapoles Atlantiques, et pourtant si loin. Même la VRP de la puissante compagnie de gaz n'en revient pas lorsqu'on l'envoie, avec son collègue fraichement promu, signer des baux à la chaîne avec les agriculteurs locaux pour l'exploitation du gaz de schiste. Dans cette région pauvre et rurale, les commerciaux top niveau déguisés en fermiers rencontrent d'abord un certain succès en faisant miroiter des revenus faciles aux exploitants terriens. Jusqu'à l'arrivée d'un militant écologiste qui vient jouer les trouble-fêtes en distribuant des photos d'exploitations décimées par l'exploitation de gaz par fracturation hydraulique. Ce qui plombe un tantinet l'ambiance...

 

Les gros contre les petits, la World Compagny contre les gens simples, le profit contre les vies. Une fois de plus, les deux ennemis juré montent le ring du cinéma américain qui n'aime rien tant qu'observer David luter de toutes ses forces contre Goliath. Et même si David est régulièrement repoussé dans les cordes, comment ne pas se ranger dès le départ aux côtés de ces gens charmants, sympathiques mais durement touchés par la crise économique ? C'est une des faiblesses du film, qui dresse un portrait un peu trop idyllique d'une communauté rurale à bout de souffle, mais exemplaire de bout en bout.

 

Ce "Promissed Land" serait donc "Erin Brockovich" à l'envers, filmé non plus du côté des victimes potentielles, mais bien de la grande entreprise cynique qui pille les ressources naturelles. Sans avoir l'ampleur d'un grand film d'investigation, ni la puissance narrative de son illustre prédécesseur, le film de Gus van Sant (appelé à la dernière minute pour remplacer Matt Damon à la réalisation) restera un objet modeste mais intéressant, qui vaut principalement le détour pour deux raisons.

Son dernier quart d'heure d'abord, où le scénario assez plat jusqu'ici prend alors du relief et de la profondeur, tout en osant un épilogue pas facile à asumer. Ses personnages et ses comédiens ensuite : Matt Damon et John Krasinski (co-auteurs du film), l'un qui excelle une fois de plus dans l'américain moyen en plein crise de foi, l'autre très crédibleen écolo tranquille. Et puis il y a France McDormand, comédienne passionnante qui mériterait un film à elle toute seule. Derrière le sourire et la calme, une détermination sans faille et une force de persuasion qui déplacerait les montagnes...de quoi parfois faire peur.

 

Pour un film de Gus Van Sant, ce n'est pas un très grand cru.

Mais pour un petit film américain engagé, première vraie-fausse réalisation de Matt Damon, c'est tout à fait honorable