Il avait fait sensation à Cannes, et il y a effectivement de quoi faire : un sujet original lourd de toutes les symboliques possibles (des lutteurs en course pour les jeux olympiques), des thèmes américains au possible, le gros label « histoire vraie » (balancé post-générique), et surtout, des numéros d’acteurs tout en performance physique, avec la statuette dans le viseur.

Bennet Miller enferme donc ses acteurs dans un faux huis-clos, explore leurs frustrations, décortique le petit monde ridicule de deux hommes malades de ne pas être reconnus. Le lutteur, Channing Tatum, mâchoire carrée, qui n’a pas besoin de faire de grands efforts pour incarner un morceau de viande mono-neuronal manipulé par son nouveau maître. Ce maître, c’est donc Steve Carrel, impressionnant dans son incarnation du propriétaire fin de race sur le déclin, avec prothèse nasale en prime. C’est sa présence inquiétante qui sert de ciment au film, c’est elle qui lui donne son intérêt et sa profondeur.

Il n’y a bien que le grand frère (Mark Ruffalo, épatant) pour apporter une once de sérénité et de raison dans ce cirque. Mais lui aussi a ses faiblesses, et chaque homme semble avoir son prix.  

Tout cela est effectivement propre, bien foutu, et chacun est à sa place alors que la pression monte. Mais reste que, derrière ces compliments, le style du réalisateur Bennet Miller me reste assez étranger. Il y a dans ce cinéma un vide, un aridité et une sécheresse qui tient parfois pour moi d’une mise en scène artificielle. Comme cette manière brutale de fermer les scènes, souvent au prix d’une coupure sonore sèche. Comme cette accumulation d’effets de style (scènes filmées de loin, scènes muettes, décor surutilisés).

La folie immense et destructrice du milliardaire n’est qu’effleurée, par des petites touches légères, comme si l’élégance de l’exercice ne permettait pas à ce cinéma tout en sous-entendus de se déployer complètement. Les enjeux psychologiques semblent simples, évidents, et ce vieux garçon qui cherche à échapper à l’emprise de sa mère n’a pas tant d’aspérités. Le dénouement arrive alors, brutal, rapide, presque par surprise. Et on reste scotché là.

Bennet Miller sait manifestement bien choisir se sujets et ses scénaristes. Et livrer un film original et intéressant. Mais qui n’a décidemment pas tant d’élégance et d’envergure. 

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Banshee (Cinemax) - Saison 2 

Avis aux amateurs de violence virile, de culs terreux yankees et de mafieux ukrainiens, la chaîne Cinemax remet le couvert avec une deuxième saison de Banhee, du nom de la charmante bourgade qui voit fondre sur elle un déferlement de violence quotidien et continu.

Petit rappel du tableau : dans un petit patelin de Pennsylvannie s’étripent joyeusement tout ce que l’Amérique compte de doux dingues : un caïd amish reconverti, un clan indien en décrépitude, quelques néonazis, un agent du Fbi plutôt louche, des fugitifs sous pression. Comme il se doit au pays de la liberté, chacun est armé jusqu’aux dents, les os se craquent, le sang coule, les bâtiments explosent…

Tout ceci reste donc assez primaire. Après une première saison avec un peu de mystère et une présentation des différents acteurs, on tire le fil en conservant le principe : pas un épisode sans que le héros ou ses potes ne distribuent des baffes ou fassent exploser quelque chose. Comme le grand méchant loup renait de ses cendres, la partie de cache-cache reprend pour quelques épisodes, jusqu’à un attendu épilogue New-Yorkais.

Moins intéressante qu’une première saison parfois troublante, la série prend un rythme de croisière qui n’est pas désagréable, mais dans lequel la multiplication des explications virile ne suffit pas à masquer le manque de matière. Heureusement que la gallerie de grands malades qui habite la ville et ses environs met régulièrement du baume au cœur.

Tout ceci est totalement irréaliste, souent pompeux, parfois idiot. Mais franchement, ça détend. 

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New York, 1981. Un nouveau riche immigré tente de faire grandir son business de distribution de carburants. Mais ses chauffeurs se font agresser, le procureur lui tombe dessus pur une histoire d’évasion fiscale. Et le terrain qu’il veut acheter semble lui glisser entre les doigts.

Cinéaste pour le moins déroutant, JC Chandor change donc une nouvelle fois de registre, avec un culot qui force le respect. Après le huis clos boursier shakespearien (« Margin Call ») et le film concept de naufragé (« All is lost »), il se lance dans le grand bain du film classique américain, et à New-York s’il vous plait.

Car le bonhomme est furieusement doué. Pour écrire d’abord, car cette histoire de guerre économique locale ne cède à aucune facilité. Pas de grand méchant italien, pas de plats de spaghetti, pas de règlements de compte mafieux dans Little Italy, Chandor connaît trop ses classiques pour tenter l’imitation. Plus qu’une relecture, un détournement. La limite devient fine entre le gangster et le businessman, comme un écho à son premier film où les financiers apparaissaient comme des parrains.

Le polar devient donc avant tout une guerre économique, une guerre d’usure, une bataille pour que chacun puisse trouver sa place. Et dans cette nasse, plusieurs personnages fascinants.

Le héros, évidemment, l’homo sapiens américain qui se bat contre l’adversité, croit en sa bonne étoile et ferait passer Job pour un modeste plaisantin. Il court après sa réussite, parfois littéralement, pendant que l’enfer s’ouvre sous ses pieds, et qu’il doit régler lui-même un par un tous ses problèmes. La femme ensuite, brillante, intelligente, un peu perverse. Essentielle dans ce jeu d’échec, même si elle n’est pas au centre. Inutile de préciser que Jessica Chastain est merveilleuse, une fois de plus.  Mais il y a aussi ce jeune chauffeur immigré, cet avocat rassurant, ce concurrent cynique, autant d’ombres que l’on croise des luxueuses demeures de New York jusqu’au zones industrielles du fleuve.

Car JC Chandor, en plus d’être un scénariste doué, est également un réalisateur passionnant. Par son utilisation des décors naturels d’un New-York qui semble maintenant préhistorique, par la précision chirurgicale de sa mise en scène, par ses incroyables scènes d’intérieur (avec une lumière sublime), le réalisateur réussit un film d’une élégance rare. 

Un réalisateur ambitieux, une intrigue tordue, une lumière fascinante, de très grands acteurs. Une certaine vision du classicisme américain qui fait plaisir à voir. 

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Il a atterri sur nos écrans ce Noël auréolé d’une réputation flatteuse, probablement bien entretenue par un distributeur qui balance les quotes plein l’affiche. Une histoire de maitre et d’élève. Un petit batteur accrocheur qui se retrouve dans l’orbite d’un impitoyable prof sadique, qui va le pousser à bout. Pour son bien, pour la performance, pour la beauté de la musique.

Le numéro est assez familier : acceptation, dépression, puis rébellion. Plus le mentor psychopathe pousse le petit gars, plus celui-ci s’enfonce dans sa propre folie jusqu’à exploser. Et nous allons le regarder se faire couper en rondelles avec une part de voyeurisme et de perversité même pas cachée. Avec un certain plaisir, presque, surtout que le grand méchant loup, c’est l’inimitable JK Simmons, grand acteur, impeccable du début à la fin, dans le sadisme et la folie.

Le réalisateur Damien Chazelle ne se démonte pas, et explore son concept en tirant du héros tout ce qu’il compte de larmes, de sueur et de sang, jusqu’à en recouvrir physiquement la batterie. C’est assez fort, suffisamment pour capter l’attention et instaurer une tension à couper ou couteau.

Mais ce Full Metal Jacket musical (la comparaison saute aux yeux) n’est pas le coup de poing annoncé. D’abord parce que L’efficacité indéniable de Damien Chazelle derrière la caméra ne parvient pas toujours à cacher ses faiblesses d’écriture (les retards répétés ne sont pas crédibles, les personnages secondaires sous-écrits), et que sa belle mécanique tourne parfois à vide, et en mode « repeat ».

La première mise en route de l’orchestre est parfaitement mise en scène. La deuxième est agréable, avec les mêmes effets. A la dixième, on se lasse quand même un peu. D’autant que le film n’a pas grand-chose à dire passé l’acceptation masochiste de l’élève face au maitre, et l’émulation un peu facile dont ce dernier fait preuve pour motiver les troupes.

Beaucoup plus intéressant, ce qui se passe en dehors : un père désemparé, une petite copine insultée, des amis qui disparaissent. Jusqu’à une scène finale assez intéressante, mais que le réalisateur tire inutilement en longueur, comme pour surligner au marqueur les souffrances physiques de son héros-martyr.  

Alors beaucoup de bruit pour rien, non. Mais ce petit film indé ne ramènera probablement pas des oscars à la pelle comme on a pu le lire il y a quelques semaines. Les Golden Globes l’ont d’ailleurs oublié (à l’exception de JK Simmons).Pas sûr qu’on s’en souvienne si longtemps…

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Enfin ! Après plus de 8 heures d’effort, Peter Jackson boucle donc dans la douleur sa deuxième trilogie Tolkienniène.

Une nouvelle épopée qui aura donc traîné jusqu’au bout ses problèmes, à commencer par cet inexplicable découpage en trois épisodes.

Pour conserver un semblant de cliffhanger, l’épisode précédent a donc été coupé à l’envol du dragon, plutôt qu’à la conclusion de cet arc. La grosse bestiole est donc toujours là dans les premières images, mais il disparait vite, et notre intérêt avec. 

Restera donc plus de 2 heures pour raconter l’histoire d’un roi nain, obsédé par son trésor jusqu’à faire n’importe quoi (un problème que Peter Jackson semble manifestement connaître) et déclencher un bain de sang entre 5 armées venues croiser le fer pour récupérer la montagne laissée vacante par son ancien propriétaire ailé. Une belle réunion de famille, qui comptera tout ce que l’univers de Tolkien compte de bestioles en tous genres, venues pour se mettre sur la gueule dans la joie et la bonne humeur.

Le problème récurrent de cette trilogie, c’est que tout y est dilué. 8 heures pour adapter un bouquin de 300 pages sur un univers parfaitement connu, c’est évidemment beaucoup trop. Tout est long et étiré, la plupart des scènes pourraient être aisément coupées en deux, mais le réalisateur a définitivement oublié qu’un film pouvait faire moins de deux heures…Et si il a conservé du matériau original un indéniable souffle, si l’unité de lieu est plutôt adaptée au film, ce troisième opus enchaîne les figures obligatoires avec un automatisme qui laisse pantois.

Vous aurez donc le droit au menu complet avec suppléments : la Nouvelle-Zélande vue d’hélicoptère, les triples Lutz des elfes qui se battent comme si ils passaient à Danse avec les stars, le méchant qui revient d’outre-tombe après être mort, le nain qui renifle, les armées digitales d’elfes qui se mettent au garde à vous en cadence, le cousin issu de germain qui débarque avec son armée au moment où tout est perdu. Et puis évidemment …. les aigles, oui, les aigles, toujours à la bourre, mais toujours là pour sauver la journée. C’est quand même bien pratique…

Une belle routine, un film qu’on a l’impression d’avoir déjà vu plusieurs fois, un peu sauvé par des personnages secondaires (le roi elfe, le cousin nain, …), mais pas par ses protagonistes qui semblent errer comme des âmes en peine au milieu des charniers et des (beaux) décors de cités abandonnées. Tout cela manque d’enjeux, de finesse, et quand le film essaye de se donner de la chair, il échoue. Les états d’âme du roi nain ne sont pas très convaincants, et les quelques tentatives de comique à travers le personnage d’Alfred sont lourdingues, et plus gênantes qu’autre chose.

On se console comme on peut avec quelques combats bien chorégraphiés dans les ruines, mais la lourdeur du pudding est décidemment assez indigeste.

Pour ne pas rester sur cette triste note, vous pouvez aussi vous repasser la première trilogie, pleine de souffle, de vie, assez loin de ce plat réchauffé au micro-ondes, qui aura rapporté beaucoup d’argent, mais n’aura pas relevé la côte d’un Peter Jackson qui risque de se traîner ce Hobbit comme un boulet. 

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