Deux parents face à la maladie de leurs enfant. Ils sont jeunes, ils sont beaux, mais leur petit a un cancer. De médecins en hôpitaux spécialisés, ils tentent de garder un semblant de vie normale tout en faisant soigner au mieux leur fils.

Alors, le film mérite-t-il l’accueil dithyrambique que lui a réservé la critique ? Oui, probablement. Car sans révolutionner le monde de la mise en scène et sans jamais chercher le chef d’œuvre, Valérie Donzelli réussit quelque part un petit miracle, un long métrage d’une légèreté fascinante, d’une grande profondeur avec un œil artistique inattendu, et un sacré talent pour parler d’un sujet pourtant difficile et tellement triste : la maladie d’un enfant.

Pour mener cette guerre, la réalisatrice a eu l’intelligence d’utiliser les armes les plus classiques du cinéma, avec une belle modestie : des plans simples mais travaillés, du suspens à bon escient, et un patchwork musical détonnant, mêlant allègrement musique classique, rock et techno. L’humour, également. Inattendu, complètement hors-sujet, il jaillit régulièrement de malentendus ou de réactions idiotes. Cela pourrait être sordide, c’est fin, enlevé et plein d'esprit… allez savoir pourquoi.

Et le rythme...quelle leçon ! Le film va à 100 à l’heure, ne s’appesantit jamais dans le misérabilisme, pour aller vite, très vite. Pour le film, c'est une densité de contenu permanente. Pour le spectateur, c’est l’assurance de ne jamais sortir de l'histoire, d’y être lié de la première à la dernière image. Enfin, le film dispose d’une arme assez absolue : la vérité. Au lieu de traîner le label « histoire vécue » comme un boulet, il respire la sincérité et le vrai du début à la fin. En particulier dans la peinture de parents-courage admirables mais loin d’être parfaits qui connaissent par petites touches leurs moments de doute et d’irrationalité. Tellement humains, donc tellement vrais. C'est leur histoire, et on bien qu'ils n'ont pas besoin d'inventer des personnages. 

Alors ce n’est certainement pas le chef d’œuvre qui viendra bousculer le 7^ème art cette année, mais c’est définitivement un petit film porté par la grâce réalisé avec le cœur et les tripes, et qui ne se prend que pour ce qu’il est : la récit lumineux d’une épreuve humaine vécue à deux. 

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Alain Marécaux, huissier dans le Nord voit les policiers débarquer chez lui en pleine nuit, le mettre en garde à vue et emmener ses enfants. Après une dénonciation, il est placé à la maison d’arrêt pour pédophilie et viols en réunion. Il crie son innocence mais le juge d’instruction semble déterminé à le faire craquer, dans ce qui deviendra un des plus grands scandales judiciaires français.

Après l’affaire Omar Raddad, le cinéma français s’empare de l’affaire d’Outreau. Mais là où Rochdy Zem avait délibérément cherché le film à thèse et à charge, au prix parfois d’une naïveté et d’un manichéisme dérageant, ce film se concentre directement sur une des victimes en nous faisant vivre l’injustice, la détresse et la chute sans fin de cet homme. En sachant que le protagoniste est innocent, le spectateur dispose alors d’une place de choix pour voir la machine judiciaire s’enrayer, et l’ensemble des magistrats et des juges se tromper. Un vrai cas d’école.

Si le réalisateur semble filmer modeste au vu de son sujet, on doit lui reconnaître plusieurs très bonnes idées : commencer rapidement en s’épargnant une mise en place inutile, sur un sujet de société bien connu. Se concentrer sur les dysfonctionnements du système, en nous présentant flics, avocats et matons comme des être humains et pas comme des monstres. (seul le personnage du juge du Burgaud est sans pitié, mais ceux qui ont vu ses dépositions peuvent difficilement argumenter la caricature). Et puis Philippe Torreton : au-delà ce sa stupéfiante performance physique, il trouve toujours le bon ton, y compris dans des scènes très difficiles, et porte le film sans excès ni caricature. Chapeau.

A l’arrivée, c’est presque un petit miracle de parvenir à ce ton juste et fort, en travaillant sur un matériau aussi lourd et sordide. Le message passe, et on peut rester en particulier scotché devant les « vraies » séquences de journaux télévisés qui font froid dans la dos, tellement elles ne semblent laisser aucune place au doute. Rien que pour cela, le film est puissamment nécessaire, une démonstration qui prend aux tripes de la nécessité de l’application du principe de présomption d’innocence.

Certes, le réalisateur est moins adroit dans la dernière partie du film, en particulier dans des scènes de prétoire un peu téléphonés, et dans une conclusion au montage haché un peu douteux. La grande qualité cinématographique de la première heure s’estompe petit à petit, à mesure que la charge émotionnelle disparaît. Mais traiter un tel fait de société sans voyeurisme ni chantage à l’émotion était déjà un sacré défi. Réussi. 

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On pourra au moins reconnaître a Christophe Honoré le mérite de la cohérence et de la continuité. Depuis les merveilleuses chansons d’amour, il a conservé les fondamentaux de son cinéma décalé et poétique : faire tourner de grandes actrices (et Louis Garrel…), parler de la famille, de l’identité, mélanger les genres et les sexes et surtout traîner sa mélancolie, voir sa tristesse dans tous les coins de Paris.

Ici, il va même plus loin dans l’ambition, entremêlant cet ensemble avec l’Histoire (avec un grand H), en suivant sur deux générations et deux époques la trajectoire d’une lignée de femmes. Madeleine d’abord, petite vendeuse de chaussures dans le Paris des sixties qu’un amour soudain emmène à Prague, puis ramène à Paris avec un autre. Véra ensuite, dans les années 2000, qui ne parvient pas mieux que sa mère à se fixer, et tombe amoureuse d’un homme qui ne semble pas vraiment fait pour elle.  

L’alternance et l’indécision amoureuse est un thème récurrent du cinéma d’Honoré. Au travers du sexe bien sur, mais surtout présentée par des personnages qui ne semblent jamais vouloir être posés, apaisés, rassasiés. Loin de l’hystérie de la précédente héroïne du réalisateur, Madeleine et Véra semblent parfois traverser comme des fantômes des vies qu’elles ne parviennent pas à contrôler. Honoré a donc tenté le grand œuvre en intégrant en fond le Printemps de Prague et le 11 septembre, en jonglant avec les générations et époques. Mais il ne parvient que très rarement à lier son ambitieux projet à l’écran, lesté par une première partie trop descriptive et trop plate, même si elle n’est jamais dénuée de charme.

Il réussit quand même beaucoup de choses, en particulier les personnages masculins (un comble !) : Delpech, émouvant et profond, Forman, drôle et espiègle, Schneider, sensible et tellement humain. Même Louis Garrel est supportable, c’est dire ! On a aussi de biens belles images, les agréables et rafraichissantes chansons d’Alex Beaupain et plusieurs jolis passages, surtout quand enfin, les époques se rejoignent et se croisent le temps d’un furtif baiser devant un ascenseur. La scène est magnifique, et surtout, chargée en émotion. Tout ce qui manque au reste du film, beau mais définitivement froid.    

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Un cow-boy qui ressemble vachement à James Bond se réveille seul en plein désert, blessé et avec un curieux bracelet métallique au poignet. Il est amnésique, et cherche ce qui lui est arrivé. Le temps de se faire coffrer par le shérif local et de se brouiller avec le propriétaire du coin (qui ressemble vachement à Indiana Jones), les extra-terrestres débarquent, et ils ne sont pas contents !

Ca commence comme une déclinaison des classiques du western, avec mise à jour : beaucoup de Rio Bravo, un peu de Jason Bourne, des cow-boys hirsutes et barbus et le calme du désert du Nouveau Mexique. Jusqu’ici tout va bien, on se sent presque chez soi, et Daniel Craig fait le job en ange exterminateur et amnésique. Mais dès que les extra-terrestres pointent leur nez, le film perd petit à petit de son intérêt.

Plutôt que de chercher à dépasser le simple western, le réalisateur reste collé à son concept en ne faisant que remplacer les habituels bads guys (desperados, indiens, ou autres) par des aliens belliqueux et très supérieurs technologiquement. Alors cela assure le spectacle au niveau pyrotechnie et effets spéciaux, mais cela ne donne jamais de consistance à un film qui se contente de narrer une longue poursuite à travers le désert jusqu’à l’affrontement final héroïque et larmoyant à souhait, comme n’importe quel western de bas niveau. Si le boulot est plutôt propre à vue d’œil (décors, photo, effets spéciaux plutôt clean), il est régulièrement gâché par Jon Favreau qui filme les scènes de guerre à  peu près n’importe comment, avec une palme pour la première, de nuit, totalement illisible.

L’ensemble ne saura pas rehaussé non plus par un scénario qui se vautre dans la facilité la plus éculée en multipliant les sous-intrigues qui trouveront toutes une résolution ultra-attendue dans la bataille finale (spoiler alert : le mauvais tireur devient le Le Harvey Oswald local et le gamin peureux se paye un monstre de trois mètres avec un opinel). Même l’amnésie du héros n’est pas un enjeu fort, et se dilue progressivement dans les coups de pistolet et les poings dans la gueule…

Pour la mise en abime du genre et le décalage, on repassera. Au vu de l’équipe (Spielberg en executive, Howard et Grazer producteurs, Lindelof co-scénariste) et du casting rassemblé, c’est une vraie déception. Reste une série B qui fera l’affaire lors d’un dimanche soir pluvieux, et le plaisir de revoir Harrison Ford… 

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L’été se termine dans la morosité aux Etats-Unis. Le box office est en baisse de 5.5% par rapport à 2010, qui n’était déjà pas une référence. Sans céder au catastrophisme, les studios se rendent comptent qu’ils doivent de plus en plus compter sur l’international pour amortir leurs blockbusters…et que l’embouteillage massif doublé d’un matraquage complet entre mai et juillet n’est plus forcément le seul modèle viable. Deux films au dessus de la barre des 300M$, c’est très peu, il y en avait quasiment 6 l’an dernier à cette période…

               Les grands gagnants               

Harry Potter 7.2 (365 M$)

Transformers 3 (347 M$)

Very Bad trip 2 (253 M$)

Fast five (209 M$)

Mes meilleures amies (167 M$)

Potter et les robots continuent de régner sur le monde, les deux franchises écrasent le reste de la concurrence. Même si un tel triomphe était attendu, tout le monde est content de voir des chiffres de ce niveau dans un contexte pareil… Même logique pour Very Bad Trip 2 qui a profité à fond de l’effet suite malgré un film exécrable. Deux petites surprises enfin : un bon vieux buddy movie des familles, qui a été la parfaite programmation anti-3D et une comédie très drôle qui  s’incruste dans le top 10 de l’année…

               Contrat rempli               

Thor (180 M$)

Rise of the Planet of the apes (140 M$)

X-Men First Class (145 M$)

Super 8 (125 M$)

Dans la morosité actuelle, ceux là ont fait le boulot. Ca tient du miracle pour Thor quand on voit le discutable résultat, c’est plus logique pour les trois autres qui sont des films soignés, distrayants et parfois même intelligents. Pas de quoi casser la baraque mais un budget bien amorti et des suites qui risquent de débarquer…

           Ils sont limite...      

Pirates des caraibes 4 (239M$)

Cars 2 (186 M$)

Kung Fu Panda 2 (163 M$)

Captain America (156 M$)

Le studio attendait beaucoup mieux de ses Pirates, qui ont fini par lasser beaucoup de monde à force de tourner en rond. Pour Cars 2, il a beaucoup été dit que c’était la plus faible livraison de Pixar. Dont acte. Même combat pour le panda, qui est resté assez loin des scores espérés avant l’été. Pour ces trois là, les bons scores à l’international permettent de relativiser l’échec. Ce qui n’est pas le cas de Captain America, qui est moins vendable hors USA, et dont le petit score à l’étranger pourrait faire réfléchir Marvel (même si son exploitation n’est pas finie…)

          Ils se sont plantés         

Green Lantern (115 M$)

Cow boys & aliens (86 M$)

Sucker Punch (36 M$)

Milo sur mars (21M$)

Quelques gros gadins pour finir. C’est très mauvais pour Green Lantern et son budget astronomique qui a repris des claques à l’étranger. Pas sur que le studio se lance dans une suite dans ces conditions, et en même temps, ça sentait le sapin dès la première bande annonce… Cow boys&aliens a un budget moins important mais tout le monde attendait beaucoup mieux au vu de l’équipe rassemblée. Si ça peut priver de boulot Jon Favreau pendant quelques années, on va pas se plaindre. Grosse baffe aussi pour Sucker Punch qui va mettre une sacrée pression sur Zack Snyder qui prépare rien de moins que le retour de Superman. Enfin la honte de l’année est attribuée au film d’animation Milo sur Mars : 150M$ de budget, 20M$ de résultat. Une telle bérézina qu’on nous a épargné la sortie en France…

          Et les petits alors ?      

Dans ce marasme, les petits parviennent bien à tirer leur épingle du jeu, à leur échelle. Avec leurs petits budgets et leurs frais de publicité limitées, il ne leur faut pas grand-chose pour être rentables. C’est la cas de Midnight in Paris (50M$), un des plus gros succès de Woody Allen. Plus dramatique, c’est aussi valable pour l’infâme Insidious (50M$) et le prépubère Never say never (70M$).

Plus tôt dans l’année, Black Swan (100M$), True Grit (170M$) et The Fighter (90M$) avaient montré la voie. Des films magnifiques, adultes, intelligents, signés par des auteurs et pourtant parfaitement accessibles au grand public. De quoi montrer la voie à des majors frileuses qui vont vite devoir ranger la photocopieuse au placard…