Le sympathique Gino, pizzaïolo bruxellois de son état, apprend que son oncle mafieux napolitain veut l’inscrire sur son testament. Mais pour cela, il doit faire honneur à la Camora en leur prouvant qu’il est un véritable truand, accompli et respecté. Il engage alors une improbable équipe pour tourner un film qu’il pourra envoyer à son oncle.

Le pitch envoie le film vers une mise en abîme qu’on pouvait attendre réjouissante puisqu’il s’agit ici d’être témoin d’un tournage d’un film tourné avec trois bouts de ficelle par des amateurs, et de toutes les catastrophes qui en découlent. Un croisement entre Le Parrain et Ca tourne et Manhattan, de quoi se frotter les mains. Hélas, Samuel Benchetrit semble surtout réaliser un film pour se faire plaisir, mais oublie qu’il a accessoirement d’autres personnes que lui à contenter : des spectateurs.

Et on est forcés de se demander si quelqu’un à prévenu Benchetrit que son film serait projeté, tant on a l’impression qu’il s’amuse à mettre à l’écran ce qui lui tient à cœur sans se demander si l’ensemble a de la cohérence, et même si cela est drôle ou intéressant. Par exemple, il veut rendre hommage aux films de mafias : on se prend un virage à 180° depuis la cuisine de Gino et on part pour un quart d’heure en Italie, ses grandes maisons familiales et ses règlements de compte. C’est long, hors de propos, pas toujours fin, bref, on se demande ce qu’on fait là.

Pour ce qui est de la comédie, le film est très inégal, le « tournage » est plombé par un certains nombre de gags qui tombent à plat, et quelques séquences totalement ratées, pas drôles du tout, qui donnent même l’impression que l’on pourrait être en présence d’un authentique navet. Impression entretenue par une pénible Anna Mougladis qui en fait des surcaisses comme si elle jouait dans une série Z.

Heureusement tout fonctionne mieux dès que le film revient dans la réalité. Enfin drôle, il fait entrer un authentique mafieux, une famille italienne un peu spéciale et aussi un poney.  La mayonnaise prend par moments, surtout quand l’impayable Sergi Lopez débarque dans ce monde de fous.

Mais ce vaste foutoir ne parvient jamais à se hisser à la hauteur de ses ambitions. Egoïsme d’artiste ? Paresse ? Manque de sens comique ? Ou tout simplement manque de talent ?

Alessandro est un veuf très actif, professeur de musique baroque, lecteur pour malades, choriste et accessoirement père d’une adolescente qu’il couve exagérément. Les rapports père/fille, déjà compliqués, deviennent petit à petit exécrables…sans compter que son frère en résistance au régime Berlusconi habite avec eux, et cherche à soulever la postière contre l’oppression des masses. Tout un programme…

Strasbourg, la musique baroque, l’Italie, le deuil, l’adolescence : le cocktail proposé par Philippe Claudel est d’abord assez original, dans sa manière de mélanger des thèmes assez inattendus. Ensuite, il s’agit vraiment d’un film d’écrivain, avec des dialogues travaillés et percutants, un travail sur les langues, des personnages fins et très écrits. C’est donc assez plaisant de voir ce pauvre père de famille brinquebalé entre sa fille qui a un sacré répondant, ses copains un peu lourdauds, des malades assez exigeants et surtout son impayable frère qui ne se remet pas de l’accession au pouvoir de Berlusconi. Même si le début du film est surtout composé de saynètes mises les unes après les autres, c’est souvent drôle, fin et parfois même jubilatoire quand un policier explique au père outré qu’il est bien normal que les jeunes lancent des pavés sur les CRS. Ou encore dans ces inattendues séances de lecture à un grand père ou à une gamine passionnée de mythologie. D’autant que l’interprétation est globalement à la hauteur, en particulier Stefano Accorsi dont on ne soupçonnait pas un certain talent comique, et le merveilleux Neri Marcore qui fait un sacré numéro dans le rôle du frère un peu anarchiste. Cerise sur le gâteau :  même pour un profane, les passages musicaux sont vraiment agréables…

Mais un film d’écrivain a aussi ses limites. Pour un film de ce genre, Philippe Claudel mise tout sur ses mots et ses situations, et déroule une mise en scène est bien timide. Ce qui devient au fur pénalisant et à mesure d’un film qui manque parfois de liant et d’envergure, jusqu’à broder une fin un peu facile qui verse vite dans le bon sentiment. Mais ces limites ne parviennent pas à gâcher le plaisir d’un cinéma populaire, mais exigeant, drôle et même parfois intelligent. Et qui, sans chercher à faire de l’Orson Welles,  ne se croit pas obligé de prendre les spectateurs pour des ignares

Les deux guerres en Irak auront décidément inspiré beaucoup de monde, dans des genres très différents. David O’Russel avait fait une comédie dramatique (Les rois du désert), Brian de Palma un film Youtube (Redacted), et Paul Greengrass avait recyclé Jason Bourne avec Green Zone. Plusieurs styles, un point commun : tout le monde semble d’accord pour jeter un regard dur et désabusé sur ces conflits. Mais comme on est ici chez Ken Loach, l’action va se centrer sur la Grande-Bretagne, même si les événements dramatiques passés se sont tous déroulés « sur le terrain » en Irak.

Un mercenaire est tué pendant un transport dangereux. La société qui l’employait est très compatissante mais le meilleur ami a du mal à croire à la thèse officielle. Avec sa veuve, ils cherchent à comprendre ce qui a bien pu se passer, dans les mailles d’une société de contracting sécuritaire très propre sur elle en apparance.

Filmer un polar depuis l’Europe avec l’Irak en toile de fond est une idée très intéressante. En montant efficacement des images de conflits au milieu d’une trame de polar anglais, Ken Loach réussit un film plutôt prenant, et parvient en particulier à bien accrocher son spectateur aux basques du personnage principal. Le sujet a déjà été suffisamment traité récemment pour que l’on apprécie un regard différent, d’autant plus que celui-ci se range vite du côté des victimes, qu’elles soient occidentales ou irakiennes. La réalisateur est chez lui dans cette Angleterre désabusée, à fleur de peau, et où tout se passe autour d’un verre.

Cette forme d’efficacité ne fera malheureusement pas oublier que le scénario dans son ensemble est très attendu, prévisible, presque banal. Si le style fait parfois la différence, on pourrait retrouver exactement la même histoire dans un thriller américain lambda, et surtout le même traitement et le même dénouement. On pourra aussi rester sceptique devant certains artifices narratifs un peu dépassés au XXIème siècle, comme les messages sur répondeur ou des photos compromettantes balancées dans la nature. C’est d’autant plus dommage que les scènes « irakiennes » sont souvent réussies, là où on pouvait douter le plus de la maitrise de Ken Loach.

C’est en fait loin du thriller militaire que le réalisateur fait mouche, quand il décrit la trajectoire d’un homme et d’une femme brisés, la rage qui les habite et la révolte contre un système.  Au final, Route Irish ne restera pas comme une des plus grandes réussites de Ken Loach. Mais un Ken Loach quand même...

L’autre Paris, ses petits quartiers qui ressemblent à des villages, le bistrot du coin, le pressing, le libraire, et toute la vie qui va autour. C’est à tout cela que Fred Testot (sans Omar) a tenté de rendre hommage puisque l’idée originale est de lui. Hommage valable surtout quand ces sympathiques habitants décident de rendre hommage à un SDF décédé en organisant une improbable pièce de music hall.

Le parti pris est celui du film choral, le scénario passe à pleine vitesse d’un personnage à l’autre le temps de nous présenter son caractère, ses problèmes, sa vie, et l’on passe avec vigueur au suivant jusqu’à que la caméra finisse par tourner en rond entre eux. S’intercalant gentiment, un défilé de guests stars (Eric et Ramzy, François Berleand, Bruno Solo) viennent furtivement filer un coup de main qui ne dépasse jamais la minute à l’écran

Si certains des protagonistes sont éminemment sympathiques, il se débattent dans un scénario assez vide, le film se contentant d’appuyer sur un gros traits de caractère par personnage avant de passer au suivant. Pas de folie, des dialogues faiblards, aucune scène qui ne marque vraiment, on se cale au fond de son fauteuil on attend que tout cela finisse. 

Au moins, le film est rarement pénible, sauf peut-être avec le très désagréable personnage de Frederique Bel. Rien de franchement dramatique donc, mais une vacuité et une poussivité assez inattendues vu l’ampleur du projet. Comme si tout le monde s’était rendu compte en cours de route que l’idée de départ de Fred Testot n’était finalement pas si bonne.

On comprend mieux pourquoi EuropaCorp, spécialiste des campagnes de sorties au bazooka, n’a pas montré le film à la presse et a décidé d’une date de sortie suicidaire couplée avec une campagne de pub inexistante. Car au final, le film ressemble à s’y méprendre à la pièce amateur qu’il décrit, qu’on regarde avec beaucoup de compassion au vu de l’énergie déployée même si le résultat est globalement nul. Ou alors il faudrait faire comme le seul personnage du film qui rigole tout le temps : être bourré du matin au soir.

Les films d’auteur

Pour auteurs débutants ou grand maîtres confirmés, la première partie de l’année permet de participer aux festivals de Berlin et de Cannes

Pina de Wim Wenders (6 avril)

Un film dansé par Wim Wenders ? Pourquoi pas, il avait signé un documentaire musical culte avec Buena Vista social Club. Un film en 3D par Win Wenders ? Ca, on a plus de mal à s’imaginer l’auteur des minimalistes Paris,Texas et les Ailes du Désir en train de bidouiller des effets spéciaux à la pointe de la technologie. Et pourtant, c’est bien le parti qu’a pris le réalisateur allemand pour rendre hommage à la chorégraphe Pina Bausch, décédée en 2009. Intriguant, et même excitant au vu des premiers retours euphoriques des spectateurs du festival de Berlin.

Rabbit hole de John Cameron Mitchell (13 avril)

Evoquer la mort d’un enfant et la reconstruction des parents, vaste programme au menu du prochain film de John Cameron Mitchell, plus connu jusqu’ici pour ses films art et essai un peu barrés que pour sa capacité à traiter frontalement la douleur et le deuil. Ce film marque le grand retour de Nicole Kidman après quelques choix douteux et quelques bonnes catastrophes, dans un rôle dense et ambigu qui lui a valu une nomination aux oscars.

Après un passage un peu décevant à Londres, et avant de courir à Rome, c’est à Paris que Woody Allen a posé sa caméra, avec (comme d’habitude) un casting à tomber par terre, renforcé par une petite colonie de français dont la first lady herself, pour un caméo qui fait déjà du bruit. En tous cas, il semble qu’on aura affaire à une comédie légère, plus qu’à un film grinçant. Gilles Jacob, conquis, l’a inscrit en ouverture du Festival de Cannes.

Tree of life de Terence Malick (18 mai)

L’attente devient insupportable mais cette fois-ci devrait être la bonne. Le film qui devait être l’événement de Cannes 2010 est bien parti pour être celui de Cannes 2011. Tourné il y a plusieurs années, travaillé dans le secret par l’ermite Terence Malick jusqu’à la perfection recherchée, le film évoquera la vie, la mort, la filiation, avec son casting poids-lourd (Sean Penn et Brad Pitt) et son histoire sur plusieurs générations.  Pourquoi une telle excitation ? Sûrement parce que tous les films du réalisateur tournés jusqu’ici se sont avérés être de petites ou grandes merveilles.

Les inclassables

Detective Dee de Tsui Hark (20 avril)

La dernière livraison d’un des grands maîtres du cinéma d’action hongkongais : un film de sabre mêlé à un polar moyenageux et un film historique. Dans la lignée des grands classiques du genre, on devrait avoir droit à moult combats, envolées, trahisons, chevauchées sauvages. Le film a beaucoup plu au festival de Venise et semble confirmer le retour en forme d’un cinéaste souvent inégal, à force d’enchaîner les films les uns après les autres. A réserver néanmoins aux amateurs du genre…

Animal kingdom de David Michod (27 avril)

Polar australien sec et décalé, ce petit film s’est fait remarquer par une nomination aux oscars et un grand prix au festival du cinéma indépendant de Sundance, en plus d’un accueil critique enthousiaste aux Etats-Unis. Autant de raisons de s’intéresser à ce que l’Australie nous envoie, surtout quand le film est porté par l’excellent Guy Pearce. 

La conquête de Xavier Durringer (25 mai)

Attention événement : l’élection de Nicolas Sarkozy vue de l’intérieur, avec tous les personnages principaux portés à l’écran. Rompant avec la tradition française d’attendre 30 ans pour se repencher sur les moments marquants de notre histoire,  Xavier Durringer ose le film politique mimétique, avec Denis Polalydes en futur président. Reste à savoir quel traitement sera réservé à tous ces personnalités que l’on croit si bien connaître : film grinçant, insolent, authentique, fantaisiste ?

Le chat du rabbin de Joan Sfarr (1^er juin)

Après le triomphe critique et césarisé de Gainsbourg vie héroïque, Joan Sfar retourne vers la BD pour adapter en film d’animation son propre travail. Il y ajoute une 3D assez curieuse, qui donne des premières images étonnantes. De quoi aller concurrencer la mainmise américaine sur le terrain de l’animation, en cherchant plus vers l’intelligent, et moins vers le débilisant ?