“Everybody told me I was gonna win” “Who’s everybody ?” “My mother and my brother”

Le projet de monter cette histoire vraie sur fond du monde de la boxe a été pendant des années un des plus célèbres serpents de mer hollywoodiens. Après avoir intéressé entre autres, Darren Aronofsky (qui est producteur exécutif), elle a fini par réussir à se monter entre les mains du très doué mais ô combien controversé David O’Russel (Les rois du désert). On doit reconnaître aux producteurs un vrai flair et une grande intelligence dans la patience dont ils ont fait preuve avec ce projet, en attendant d’avoir l’équipe qui pourrait magnifier cette histoire si classique et si américaine, qui aurait pu se terminer en film patriotique idiot et tâchon. En effet, qui y a t-il de plus américain que cette trajectoire de deux frères boxeurs, cantonniers dans leur petite ville et dont le come-back sur les rings va ramener vers le succès, eux qui ne partent de rien ?

La gloire, la déchéance, la seconde chance, le combat, la responsabilité individuelle, la famille : l’histoire fleure le déjà vu, mais pourtant le film sort rapidement du lot. Si on a déjà vu ces petites villes, ces petites gens, ces décors « white trash » et ces gymnases miteux,  la mise en scène est suffisamment posée et intelligente pour absorber le spectateur. On s’inscrit vite dans les pas de cet étonnant duo de frères,  différents et opposés. Le calme et le cinglé. L'introverti et le volubile. Le sage et le camé. D’autant que le début du film n’a rien de glorieux : de défaites en désillusions, de coups de folies en clashs familiaux, le rêve américain est passé méthodiquement au broyeur, avec patience et longueur (le film est tellement dense qu’il paraît plus que ses deux heures).

Et si le souffle ne manque pas, c’est bien l'incroyable galerie de personnages qui fait la différence, en offrant un spectacle de tous les instants. La mère d’abord (extraordinaire Melissa Léo). Etouffante, auto-proclamée manager, elle règne en maître sur sa famille de 9 enfants, culpabilisant les uns, maudissant les autres, prêtes à tout pour garder l’ascendant sur ses fils quitte à les envoyer se faire démolir. La copine ensuite (merveilleuse Amy Adams), mélange rare de douceur et de dureté, charmante mais sans accepter qu’on lui marche sur les pieds, y compris quand le dragon maternel sort ses griffes. Soit deux personnages féminins complexes, importants, tout en nuances, fait suffisamment rare pour être salué.

Et enfin le frère. Ex-boxer raté, accro au crack, monté sur ressorts et qui ne semble jamais comprendre le mal qu’il fait autour de lui dans son tourbillon d’auto-destruction. Ce que fait Christian Bale est tout bonnement incroyable. Méconnaissable, il bouffe l’écran à chaque apparition, dans une partition que seuls les très grands acteurs peuvent se permettre, sans tomber dans la caricature ou le trop plein. Dans un tel cirque, le héros Mark Wahlberg n’a plus grand-chose à faire, mais c’est sa composition sobre et intense qui met en valeur ses partenaires, et qui donne de l’équilibre au film.

Ces quatre personnages s’aiment, se heurtent, se déchirent, se perdent, se retrouvent. L’occasion de scènes intenses et tendues, d’une grande intelligence et qui ne virent jamais dans le voyeurisme ou le grand guignol. Ces moments permettent au « film de boxe » de sortir des rails des standards du genre, tout en respectant les codes (en nous gratifiant par exemple de magnifiques combats, parfaitement montés et filmés). On ne doute pas bien longtemps de l’issue de « l’histoire vraie », mais l’émotion perceptible pour les derniers combats est bien réelle.

Par sa patience et son application, David O’Russel prouve qu’il est peut-être bien le grand cinéaste qu’il clame être. Son film a de la gueule, du cœur et des tripes. 

Une compagnie de ballet à New York, dirigée de main de maître par le tyrannique Thomas. A chaque spectacle, chaque ballerine rêve d’être choisie pour le rôle principal, et travaille jour et nuit pour atteindre la perfection demandée par le maître. Alors que celui-ci monte une nouvelle version du lac des cygnes, il choisit la fragile et timide Nina pour être le premier rôle de la représentation. Tiraillée entre ses doutes et une mère étouffante, celle-ci semble perdre pied au fur et à mesure que la date fatidique approche.

Dès la magnifique séquence d’ouverture, ce n’est pas tant une à une plongée dans le monde du ballet qu’Aronofsky nous entraîne, mais bien à une plongée dans le monde de la folie. En poussant son cinéma brutal et puissant vers les horizons légers de la danse et les frontières troubles du fantastique, le réalisateur prend à chaque seconde le risque d’en faire trop, de surcharger la barque et d’exploser en plein vol. Mais Aronofsky est un funambule, et la fluidité virtuose de ce Black Swan semble presque un miracle, et pourtant…

Le conte fantastique est d’abord particulièrement réussi parce qu’il balade le spectateur et le surprend vraiment. Avec une mise en place qui compte son lot de personnages déjà terrifiants : la mère possessive, le maitre manipulateur, l’ex star déchue, la concurrente délurée…une vraie galerie de monstres dans un monde bien réel. Puis par un glissement progressif vers la folie où l’on cherche avec l’héroïne à séparer le vrai du faux, le rationnel de l’onirique, les drames des cauchemars. En filmant en permanence des miroirs et des reflets, cela en devient une plongée en apnée saisissante, accentuée par le propre cauchemar de Nina qui cherche à tutoyer la perfection mais qui ne parvient pas à se libérer. Etouffant, éprouvant, imprévisible, le film prend à la gorge pour ne plus nous lâcher. Quelques scènes physiquement insoutenables jalonnent le chemin, mais c’est bien dans la tête de Nina que l’on se perd progressivement, au fur et à mesure de sa transformation vers ce cygne noir qu’elle doit devenir. Un film de genre, donc. Un thriller peut-être, mais sûrement un des tous meilleurs qu’il nous a été donné de voir.  

Il faut dire que le réalisateur a atteint une forme de plénitude dans sa mise en scène : si l’on retrouve « ses » marqueurs (caméra à l’épaule, cadres rapprochés, vues de dos pour suivre la sécheresse de ce qu’il filme), il sait aussi le temps d’un ballet ou d’une soirée en boite varier ses approches, oublier la brutalité pour épouser une forme inédite d’insouciance ou de légèreté. Arronofsky est à la fois un virtuose de la caméra, un maitre du rythme mais aussi un exceptionnel directeur d’acteur : après la métamorphose de Mickey Rourke, c’est Nathalie Portman qui trouve ici ce qui devrait être le rôle de sa vie. Sensible, enfantine, décalée, triste, elle livre une prestation fabuleuse en restant toujours sur le fil du rasoir mais sans jamais lâcher. Le reste du casting est au diapason, de Vincent Cassel à Mila Kunis en passant par la revenante Winona Ryder.  

Et l’on quitte définitivement le film de genre lors des dernières minutes du film pour comprendre qu’on est déjà beaucoup plus loin que cela. Séquence finale miraculeuse, entre le rêve, le cauchemar, et le fantastique le plus total quand ce cygne noir apparaît enfin, et la chute vers la réalité. On se laisse emporter, souffler par le puissance des images, par cette musique entêtante, par ces mouvement millimétrés…Un très grand moment de cinéma, une vraie claque de spectateur. Des images qui nous poursuivent longtemps après la sortie de la salle…

Ca y est, la grande messe du cinéma français a fermé ses portes sur la demi victoire des Hommes et des Dieux… J’ai regardé bien malgré moi quasiment en entier cet événement… petit retour

 

La soirée d’abord

Canal plus avait survendu la soirée à coup de bandes annonces et d’interviews intensives. On allait voir ce qu’on allait voir ! Et bien on a vu : une soirée interminable, mal rythmée, entrecoupée de sketchs et de saynètes la plupart du temps ratées, sous le pilotage d’un Antoine de Caunes qui n’a fait que dans la petite blague, en se concentrant sur la révolution dans les pays arabes. Très classe.

On a donc subi une animation faite de toutes petites vannes contextualités, avec de petites (et parfois bonnes) vacheries bien dirigées et plutôt pince sans rire. Pas du tout ce qu’il faut pour tenir une salle et éviter que tout le monde ne s’endorme : De Caunes aurait du potasser l’énormissime ouverture des Golden Globes par Ricky Gervais : de vraies grosses saloperies osées, des blagues hilarantes, et un vrai talent de comédien…Ce qui nous aurait épargné les plans effarants des premiers rangs où tout le monde semblait s’enfoncer dans son siège au fur et à mesure que la soirée avançait

Pour le reste, il a fallu donc s’appuyer sur les numéros préparés par les invités, et les réactions des récompensés.On a alterné entre le « moyennement drôle mais c’est lui quand même » (François Damiens, Jean Rochefort), le « gros moyen insignifiant » (la fanfare), la fiche wikipedia (l’hommage à Tarantino) et surtout le franchement embarrassant (Elie Semoun con-ster-nant, Charlotte Lebon totalement hors sujet, et puis cette nullissime séquence de western à la française). Même les monuments n’y étaient pas. Tarantino si disert d’habitude, n’avait pas grand-chose à dire, et même Polanski a récupéré ses césars et vite quitté la scène.

Dans ce grand et long gâchis, les quelques moments réussis en ressortent d’autant plus. C’est l’apparition incongrue d’un énorme phoque en l’honneur de Tarantino, c’est la classe et l’humour de l’immense Michael Lonsdale, c’est Pascal Elbé qui montre que le vieux numéro de starlette offensée est toujours très drôle, ce sont les actrices spontanées et drôles du new burlesque. Et enfin, ce qui restera le grand moment de comique involontaire de la soirée, c’est Leila Bekhti qui tient son décolleté qui part en live pour éviter à ses seins de sortir, après s’être gaufrée sur les escaliers. Faut changer de styliste, Leila !

A se demander si, comme on l’a entendu, ce n’était pas le comité d’entreprise de canal plus qui organisait. Bref, quand les américains font une soirée, ça donne ça ou ça, et les producteurs des césars semblent avoir toutes les peines du monde à rivaliser… Dommage

      Le palmares      

Au moins, la palmarès est à la fois cohérent, osé et intéressant. Plutôt que de faire place à un razzia des moines, les prix se sont répartis entre de multiples films, en premier lieu du quel Des hommes et des Dieux, The Ghost Writer, Gainsbourg (vie héroïque) et le nom des gens. C’est la qualité du cinéma français dans sa diversité qui a été honorée, en laissant quand même les récompenses majeures aux deux grands films de l’année.

Le film de Xavier Beauvois ne repart « que » avec trois prix, mais dont celui du meilleur film. Il aurait été difficile de passer outre, même si on a fini par se demander si il n’allait pas se faire griller sur le fil. Les votants ont aussi voulu rendre un hommage appuyé à Polanski, après son année agitée. Avec ce qu’on peut appeler un film de metteur en scène, il repart avec quatre distinctions (réalisateur, adaptation, montage et musique) qui mettent en avant la grande qualité cinématographique de son Ghost Writer.

L’académie n’a pas non plus oublié cet OVNI musical qu’était Gainsbourg (vie héroïque) en lui remettant les deux prix que je trouve les plus adaptés pour une œuvre pas encore parfaite, mais portée par un acteur de génie (premier film, meilleur acteur). Et enfin, la vraie surprise  est venue de la double récompenses accordée à cette petite comédie innocente mais par moments géniale qu’est Le Nom des Gens (scénario, mais aussi actrice à la surprise générale). On peut citer quelques bonnes surprises sur des récompenses moins importantes mais qui n’étaient pas gagnées d’avance (Anne Alvaro plutôt que Karin Viard, The social Network en film étranger, l’exceptionnel Edgar Ramirez pour Carlos en meilleur espoir)

Deception pour Mammuth, Tournée et l’Arnacoeur qui repartent bredouilles, mais il n’y avait définitivement pas la place pour tout le monde ce soir, et un plateau extrêmement relevé pour cette année 2010. Qui s’en plaindra ?

Elle était assez attendue, elle est en ligne depuis plusieurs jours, la première bande annonce de X-Men First Class.

X-Men ? Encore ? Mais pourtant la boucle était sensée être bouclée après trois épisodes ? Et bien non…Au-delà d’une qualité intrinsèque très hétérogène (voir plus bas), la série est intéressante parce que très représentative de ce qu’est devenue l’industrie hollywoodienne aujourd’hui : une machine à recycler et à photocopier. Pour le meilleur, parce qu’à l’image du monde de la série télé, développer un univers sur plusieurs films présente l’avantage de la variation sur un même thème, et aussi de pouvoir traiter correctement une multitude d’enjeux et de personnages. Mais aussi parfois pour le pire, car on en vient à se demander si les scénaristes américains ne seraient pas à court d’idées parfois. Cela donne une série de films reliés entre eux, dans un tourbillon qui ne semble jamais pouvoir s’arrêter

Alors comment crée une franchise ? On commence par le commencement :

LE PREMIER FILM

X Men (2000)

Peu de stars, le petit réalisateur doué d’Usual Suspects, une scène finale autour de la Statue de la Liberté…Warner Bros a fait les choses correctement pour ce premier opus. Des effets spéciaux soignés, une grosse campagne de communication relayée par les nombreux fans du comic-book, et hop, le film est un succès mondial…Comme beaucoup de premiers épisodes, il s’avère relativement pesant et parfois assez maladroit, mais il pose les personnages, confirme que Bryan Singer sait filmer un blockbuster, et ouvre grand les portes pour les suites, dans lesquelles il n’y aura plus besoin de présenter tout le monde…

Et puisque ça a marché, on enchaîne…

LES SUITES : ces films sont directement liés, leur action se déroule l’un après l’autre

X Men 2 (2003)

Ce coup-ci, on met le paquet. Même équipe, même acteurs, mais un réalisateur plus libre, et deux mutants (Hugh Jackman et Halle Berry) qui sont devenus des stars et que l’on met en tête d’affiche. Spectaculaire, maitrisé, poussant la réflexion jusqu’à en être même dérangeant et subversif (l’attaque de l’école), X-Men 2 reste un gros blockbuster, mais probablement un des tous meilleurs des années 2000…Très gros succès….

X Men the last stand (2006)

Exit Bryan Singer qui part filmer Superman. Orpheline, la saga se tourne vers un petit réalisateur indépendant (Matthew Vaughn), qui finit par jeter l’éponge parce que le studio ne lui laisse pas faire ce qu’il veut. En pompier se service, arrivée du très médiocre réalisateur Brett Rattner. Hurlements de désespoir des fans… A l’arrivée, un film nécessairement bourrin et sans comparaison avec le numéro 2, mais pas totalement raté, et dont la fin semble mettre un point final à la saga. Encore un très gros succès…

Et là, on se dit, que c’est fini… sauf que non. (ouais)

LE SPIN-OFF : on prend un personnage emblématique et on le sort de l’intrigue pour lui dédier un film complet

X Men origins Wolverine (2009)

LE personnage emblématique de X-Men, c’est Wolverine. Bien content d’avoir son propre film, l’acteur Hugh Jackman prend la casquette de producteur et reproduit scrupuleusement le même modus operandi avec un jeune réalisateur, peu de stars et beaucoup d’effets spéciaux. Malheureusement, le film est relativement raté, malgré quelques bonnes idées. (critique complète). Succès honorable au box-office, dégradé par un bouche à oreille assez mauvais. Pas de quoi décourager la Warner qui, outre un Wolverine 2, met en chantier un film dédié au grand méchant de la série : Magneto

C'est très bien tout ça, mais on peut pas faire encore mieux ? Et si, puisqu'il y a ...

LE REBOOT : on reprend la série depuis le début (quitte parfois à réécrire ce qui a déjà été filmé…)

X Men first class (2011)

On recommence tout et on repart dans les années 1960 pour assister aux premières armes de tous les héros que l’on connaît déjà. Retour de Matthew Vaughn, recherche d’un casting malin sans poids-lourd mais avec une équipe de jeunes acteurs prometteurs, et toujours la relecture de l’histoire américaine avec la crise des missiles de Cuba. Verdict cet été

Ces variations sont infinies, et seul le succès (et surtout l’insuccès) décide d’arrêter une lignée. Le plus attendu de la fraterie est d’ailleurs … une suite de spin-off (vous suivez ?) puisque c’est un des plus grandes réalisateurs américains, Daren Aronofsky (The Wrestler, Black Swan, Requiem for a dream) qui a repris les commandes de Wolverine 2…

COMMENT FONT LES AUTRES ?

Dans la famille Batman, après le premier film de Tim Burton en 1989, 3 suites très lucratives ont été mises en chantier, stoppées dans leur élan par l’infâme Batman et Robin. (probablement le plus mauvais blockbuster de tous les temps) Un spin-off a été mis en route avec un film dédié à Catwoman, qui s’est totalement crashé au box-office (normal, c’est probablement le second plus mauvais blockbuster de tous les temps). Devant une telle impasse, le studio a sorti la carte reboot : on recommence tout avec une équipe et une vision renouvelée. Le résultat : les deux excellents films que sont Batman Begins, The dark knight …et bientôt le dernier de la série, Dark Knight rises. Comme quoi ça peut être une bonne idée…

Dans la famille Superman, c’est encore plus compliqué. Après une première série de 4 films dans les années 80, de multiples tentatives ont été lancées pour faire revivre le mythe à l’écran. Devenu un des plus fameux serpents de mer de l’industrie hollywoodienne, c’est l’arrivée de Bryan Singer, débarqué de X-Men, qui a tout débloqué. Chargé de lancer une nouvelle franchise de plusieurs films, il a lancé la première fusée avec Superman Returns (2006), mi-suite, mi-reboot. Les attentes sont énormes, le film est très bancal, le budget considérable, et le succès plutôt mitigé.

Donc on recommence, et on essaie de copier le cousin Batman en re-re-rebootant la série et en la confiant à Zack Snyder qui a pour mission de faire passer la franchise dans le XXIème siècle… Et puis, si ça ne marche pas, on pourra toujours recommencer…

Mon absence forcée des salles obscures me permet de me (re)plonger dans des séries américaines pas forcément toutes neuves. Aujourd’hui Studio 60 on the sunset strip

Série crée…et arrêtée en 2006-2007, il s’agit d’une commande passée à Aaron Sorkin, scénariste de génie et père de A la Maison Blanche (The West Wing), qui avait cartonné sur la chaîne NBC pendant des années. En changeant d’univers, Sorkin a tenté de garder le même niveau d’exigence et de qualité mais en s’attaquant à un thème a priori plus futile : la vie d’une émission de télé hebdomadaire qui ressemble à s’y méprendre à Saturday night live, que l’on peut vaguement rapprocher pour chez nous des guignols de l’info, mais avec des acteurs et sans marionnettes.

Plus ou moins bien accueillie à sa sortie par la critique, boudée par le public, la série fut annulée au bout de sa première saison, dans un enterrement de première classe. Il s’agit d’une des dernières tentatives pour les chaines non câblées (l’équivalent du hertzien pour le France) de proposer un programme véritablement exigeant, élaboré et adulte, là où on peine aujourd’hui à trouver un « vrai » programme adulte sur la grille…

Erreur fatale que d’avoir si mal distribué ce show qui concentrait à chaque épisode plus d’intelligence et de débat sur les médias américains que tout le reste du programme de la journée.

Si il est intéressant de s’y replonger aujourd’hui, c’est que Sorkin est célébré pour avoir signé le scénario de The Social Network, et que les parallèles entre les deux œuvres sont assez criants.

L’ apparence d’une série très classique

Mais tout d’abord, Aaron Sorkin semblait s’être fait à l’idée de faire une série populaire, facile d’accès et avant tout destinée au grand public. Le déguisement est parfait, on s’y tromperait : des histoires d’amour à la pelle dignes d’un soap opéra, des personnages fantasques et drôles possédant chacun un marqueur fort, des relations professionnelles compliquées, des relations familiales tordues et bien sur des relations amoureuses qui reviennent compliquer le tout. Le vernis semble classique, presque trop facile, comme quand on voit débarquer la très jeune et très sexy Amanda Peet en directrice de chaîne de télé et qu’on se dit que c’est quand même incroyable que les casteurs l’aient retenu pour son physique…sauf que c’est exactement ce qui va se passer dans la série, où la pauvre Jordan va passer 20 épisodes à ramer parce que personne ne semble penser qu’une femme de son âge puisse avoir un cerveau.

Mais très vite, une mine de débat et de réflexion

Sauf que sous ces airs de grande fête hollywoodienne, le show aborde de front, et sans prendre de gants, tous les sujets de débats des médias américains : liberté de presse, religion, médias et groupes boursiers, rapport aux minorités, Amérique réac et puritaine contre Hollywood décadent, place des femmes, armes à feu, tout passe à la moulinette d’un script qui fait mouche à chaque épisode par son intelligence et sa maturité. Et qui pointe toute la richesse et les contradictions d’un pays où plus qu’ailleurs, il est difficile de trouver un équilibre entre le spectacle, la critique, et la dollar. Les US sont à la fois le berceau des satires les plus puissantes et des conservateurs les plus éminents… pas si simple !

La première scène de la série en est un monument à elle seule : un producteur excédé hurle en plein spectacle à tout son auditoire de changer de chaîne sous les yeux effarés de tout son casting. Pétage de plomb d’un dinosaure qui ne veut pas finir fossilisé par un télé aseptisée et contrôlée uniquement par des financiers et des avocats.

Un niveau artistique incroyable   

Mais la série restera aussi un exemple de réussite artistique unique pour un sshow dit "léger". C’est simple, on a l’impression de revoir The Social Network pendant 20 épisodes. Et c’est là qu’on se rend compte que le peut-être futur oscar du meilleur film doit vraiment autant à Aaron Sorkin qu’à David Fincher. Même art incroyable du dialogue, même gestion du rythme à la fois lente et perpétuelle, même maitrise fantastique de l’espace clos à la steadicam, même gestion sur le fil du timing et du décalage, même ribambelle de personnages qu’on ne fait que croiser dans des couloirs. On passe parfois 4 à 5 épisodes d’affilée dans une même unité de temps, ce qui est une vraie performance pour un show qui aurait pu être bâti sur une récurrence et un train (un épisode = 1 semaine de préparation de l’émission)

On peut regretter l’arrêt rapide de cette série pas vraiment faite pour tenir en haleine un public de prime time sur 20 épisodes… Mais aujourd’hui, Aaron Sorkin annonce qu’il bosse sur une série qui se passera dans … l’univers de la télévision et commandée par ..HBO, la plus vieille et la plus classique des stations du câble. Suffisait d’aller sonner à la bonne porte