Les mastodontes

Budgets pharaoniques, effets spéciaux à gogo, franchises déjà rentables ou nouvelles plein d'espoir

   Transformers 3 de Michael Bay (29 juin)

Après un deuxième épisode catastrophique, l’empereur des bourrins Michael Bay a promis que le troisième épisode serait plus réussi, plus jouissif, plus délirant. Moins de blabla post-pubère et plus de rythme, de discours patriotiques et de destruction massive urbaine. Et au vu des premières images à base de gros plans sur les visages burinés, de gratte-ciels qui s’effondrent, ça a l’air plutôt bien parti, même si certains auront du mal à se remettre du départ de Megan Fox, pourtant avantageusement remplacée. Une seule question : le fisc américain serait-il à ce point gourmand que Frances McDormand et John Malkovich aient besoin d’aller se fourvoyer dans ce genre de produit pour payer leurs impôts ?

   Harry Potter et les reliques de la mort partie 2  de David Yates (13 juillet)   

Pour ceux qui n’en ont pas encore marre, la Warner vous invite à payer votre dernier ticket (avec le supplément 3D) pour assister à la fin d’une des franchises les plus lucratives de l’histoire. Après une première partie assez plate (mais respectant le livre), le combat final devrait être rythmé et spectaculaire, et vous êtes cordialement invités à en profiter parce que normalement, c’est la der des der…enfin, jusqu’au reboot de la franchise bien sûr, que le studio lancera pour « donner une nouvelle vision de l’œuvre aux fans » . Y sont sympas quand même chez Warner !

    Green lantern de Martin Campbell (10 aout)

Quasiment inconnu en France, le comic-book a davantage de fans aux Etats-Unis, et devait logiquement rejoindre la cohorte d’adaptations de la maison DC Comics. Le studio a choisi de mettre toutes les chances de son côté en confiant le bébé à un réalisateur confirmé de films estivaux (Martin Campbell, Casino Royale / Zorro / Goldeneye) et en recrutant le très photogénique Ryan Reynolds. On jugera sur pièces mais les premières bandes-annonces piquent tellement les yeux qu’on se demande bien comment on va parvenir à prendre tout cela au sérieux…

   Captain America de Joe Johnson (17 aout)

Gros enjeux aux Etats-Unis pour cette nouvelle franchise qui est sensée être la porte vers le futur film Avengers (en tournage), dans lequel viendront s’ajouter Iron Man, Thor, Hulk et tous les personnages de l’univers Marvel. Là encore, prise de risque minimale avec un vieux routier aux commandes, et un casting mêlant ptits jeun’s pas désagréables à regarder et des seconds rôles dont on pressent qu’ils vont faire la gueule pendant tout le film (Tommy Lee Jones et Hugo Weaving). Tout ça pour nous conter la belle histoire d’un frêle soldat qu’une expérience scientifique va transformer en musclor… God bless America !  

NB : pour ceux qui veulent suivre les chroniques, ouverture d'une page Facebook, n'hésitez pas : 

Et puis il y a toujours twitter

Un divorce en Iran. Elle veut partir à l’étranger profitant du visa qu’elle a mis des années à obtenir, il ne se résoud pas à abandonner son père malade. Elle veut emmener leur fille avec elle, il refuse de la laisser partir. Elle quitte le domicile conjugal, il prend une aide à la maison. Mais le vieil homme n’a plus toute sa tête et s’avère plus difficile que prévu. Le drame couve...

La première scène, magistrale, donne le ton du film. Deux époux en plein conflit, sans que l’on sente la haine ou le mépris habituel de ce type de situation. Deux raisonnements rationnels et compréhensibles, plein de passion, et un juge invisible qui les renvoie dos à dos en leur demandant de continuer à vivre leur vie, car il serait bien en peine de leur dire qui a raison ou tort. C’est la grande subtilité du film et aussi sa grande force : ce qui est terrible, c’est que chacun a ses raisons. L’enchevêtrement et le choc entre tous ces destins se fait parfois de manière brutale et violente, mais sans que le spectateur puisse prendre parti facilement, ou puisse discerner de manière frontale ce qui est juste et ce qui ne l’est pas. Le père de famille reste sur ses positions, droit dans ses bottes et sur de son fait. La mère cherche à arrondir les angles, à trouver une aspérité sur laquelle s’appuyer, car elle ne semble pas vouloir quitter cet homme. La femme de ménage, perdue, victime ou bourreau, semble dépassée par ce qui lui arrive. Et son propre mari n’est plus qu’une boule de douleur, de rage et de violence.

En exploitant une simple situation de départ et un seul événement, le scénario brode donc patiemment un implacable canevas et nous emmène du fait divers vers le polar, le film sociétal et drame familial avec un brio incomparable. Le film est jalonné de scènes d’échanges, qui commencent souvent en discussions calmes pour partir vers une explosion des conflits. Et le spectateur ne décroche jamais, happé par ces tranches de vies pourtant presque banales, mais incroyablement prenantes.  De fait, le film repose beaucoup sur ses acteurs, qui sont tous exceptionnels. Mais au-delà d’une direction d’acteurs extraordinaire, la mise en scène elle-même est d’une grande intelligence, que ce soit quand on pressent le drame à travers ces bribes de tension presque imperceptibles, ou quand le réalisateur enferme sa caméra dans le bureau exigu du juge. Ou quand elle traîne inlassablement dans cet appartement et surtout son pied de porte.

C’est aussi un regard incroyablement moderne et inédit sur cette société iranienne à un tournant. Une société où, comme partout ailleurs, les classes et les niveaux sociaux semblent édicter des règles tacites. Une société encore profondément religieuse, au moins dans les classes les plus populaires, et où les interdits sont légions. Scène incroyable où la femme de ménage appelle une hotline pour être absolument sure que laver le vieil homme n’est pas considéré comme un pêché.

Et au final, c’est l’universalité du propos qui surprend. C’est l’histoire toute simple d’un homme et d’une femme qui s’aiment et pourtant se séparent…Jusqu’à cette cloison finale qui semble tout figer. Il s’est tant passé de choses à travers des murs et des portes. 

Après le succès public et surtout critique de son faux biopic de Serge Gainsbourg, Joann Sfar qui n’a décidemment pas peur des défis, se risque dans l’animation en adaptant sa propre BD…4 ans de boulot, une 3D pour le moins curieuse, et beaucoup d’attentes dans un domaine où le métier français est plutôt reconnu, même si le production des blockbusters reste plutôt du côté américain.

Alger, les années 20. Le rabbin ne sait plus où donner de la tête entre sa fille qui grandit trop vite et son chat qui se retrouve doué de paroles, et qui décide d’organiser sa propre bar-mitzvah. D’autant que l’animal se met en tête de soulever des questions théologiques poussées, ce qui ne le rend pas populaire auprès des autres rabbins de la ville.

Ne connaissant pas la BD en question, je n’avais pas d’attentes particulières pour ce film. Le résultat est curieux, déséquilibré, parfois un peu hors sujet sans pour autant être complètement raté. Tout commence par quelques très bonnes idées : avoir gardé un dessin simple et agréable d’abord, avec un beau travail sur les couleurs, une forme de simplicité et de profondeur qui donne un côté artisanal et léger à la chose. Faire parler ce chat étonnant ensuite, qui pose les questions les plus incongrues et qui s’avère être un vrai personnage de cinéma. Et puis surtout avoir l’idée parfaite pour le casting vocal, un certain François Morel. Avec sa gouaille et son agilité, il est absolument parfait.

Drôle et efficace au début, le film ne tient malheureusement pas la distance. Entre de trop longues digressions et une quête quasi mystique, l’histoire patine. Dès que l’on s’éloigne du chat pour se consacrer aux autres personnages, c’est le désert. Malgré plusieurs gugusses plutôt séduisants sur le papier (le russe, l’explorateur, le rabbin grincheux), la mayonnaise ne prend jamais dans la deuxième partie, en particulier lors quête à l’autre bout de l’Afrique où l’on se perd dans l’interprétation religieuse et le symbolisme lourdingue. Et les dialogues incisifs et drôles du début se perdent parfois dans une philosophie de bas étage assez désagréable.

Un manque d’équilibre et de densité narrative qui était déjà au cœur de son premier film et qui confirme que Sfar a un œil, un talent visuel certain et une sensibilité d’artiste. Mais qu’il ferait beaucoup mieux de faire écrire ses scénarios et ses dialogues par quelqu’un d’autre…

Après le succès colossal de la première virée « bachelor party » à Las Vegas, une suite était à attendre… ou à craindre. Very Bad trip était un triomphe surprise, une petite comédie entre potes assez trash, plutôt décomplexée et franchement poilante. Devenue un enjeu de studio et un blockbuster en puissance, qu’allait-il advenir de la joyeuse bande de dégénérés ?

Le réalisateur Todd Philipps a hélas choisi la voie la plus simple et la plus décevante : la photocopie couleur. Il ne s’agit pas seulement de reprendre les personnages mais de refaire exactement le même film dans un environnement différent. Exit donc, Las Vegas et ses tentations et bienvenue à Bangkok pour une journée de  gueule de bois, de recherche de disparu et de reconstitution d’une nuit houleuse. Malheureusement, l’effet de surprise a disparu et entraîne avec lui tout l’intérêt du film.

Passé un prologue long et ennuyeux, nos trois compères se retrouvent enfin seuls, lâchés en plein centre de Bangkok, pour une course contre la montre qui semble bien familière : enfermé dans l’obligation de refaire aussi drôle que le précédent opus, le film joue la surenchère mais se plante sur toute la ligne. Manque de rythme, gags qui tombent à plat, acteurs qui surjouent, succession de clichés, c’est peu dire que le film ne tient pas ses promesses, et fait même preuve d’une apathie souvent étrange. On ne sent jamais cette délicieuse odeur de catastrophe post-alcoolique malgré les hurlements répétés et très pénibles de nos trois compères qui meublent comme ils peuvent les grands trous d’air du scénario. Cette désinvolture générale se retrouve particulièrement dans les caméos de deux acteurs « sérieux » sensés booster l’intrigue et offrir des grands moments de cabotinage : Paul Giammatti ne se force même pas à délivrer l’hystérie qu’on lui connaît, et Nick Cassavetes, pourtant réputé malade mental, ne fait que passer dans un calme olympien. Déception sur toute la ligne…

Et les scénaristes enfoncent vigoureusement le clou dans le dernier quart d’heure, qui navigue entre redite et autocitation, avec l’apparition totalement artificielle d’une guest-star qui était drôle… dans le numéro 1. Il ne nous reste que nos yeux pour pleurer, quelques scènes trash pour rigoler (un peu) et quelques secondes pour apprécier le retour assez irrésistible de nos gros soulards dans un mariage guindé.

Le talent si évident il y a 2 ans s’est mystérieusement évaporé dans les chaleurs thaïlandaises. Ou alors Todd Philipps s’est paresseusement contenté de retourner le même film en se disant que c’était ce que les gens attendaient. Au delà du sentiment de foutage de gueule, les résultats stratosphériques au box office américain ne semblent malheureusement pas lui donner tort. 

Rarement un film n’aura suscité autant d’attentes. C’est bien LE projet mûri depuis plusieurs décennies par un des génies du cinéma encore en exercice. Un cinéaste décalé, dont les quatre premiers films sont de véritables petites merveilles visuelles et poétiques. Un cinéaste pour lequel tous les acteurs rêvent de travailler. Un cinéaste qui a attendu très longtemps avant de dévoiler son dernier bébé, déjà annoncé à Cannes l’an dernier et finalement retenu cette année où il a remporté la Palme d’or.

Les réactions ont été contrastées, et on le comprend après avoir subi les deux heures et demi de poésie mystique du maître. C’est un OVNI, un film qui refuse tout cadre narratif ou dramatique, pour se consacrer à la recherche du divin depuis le début de la création jusqu’à une famille d’américains dans les années 50. Volontairement décérébralisé, le film est donc particulièrement difficile d’accès dès les premières images, où l’on reconnait le style de Malick fait de silences, de plans furtifs, de musique classique et d’une lumière incroyable. La beauté des plans est à couper le souffle, on ne peut que s’incliner devant tant d’audace, de culot. Oser faire un film d’art et d’essai complexe et perturbant à Hollywood est devenu tellement rare que c’est déjà un exploit en soi. D’autant que le première heure prend à la gorge : ce mélange de plans numériques, d’images de deuil et d’enfants est assez bouleversant, prenant, inédit. On baigne complètement dans une poésie totale, hors du temps et de toute logique. La maitre nous emmène avec son style inimitable  vers des horizons lointains et totalement enchanteurs.

Mais malheureusement, l’enchantement ne tient pas la distance. Revenu dans cette famille américaine sensée représenter beaucoup de choses, Malick étire jusqu’à l’épuisement le jeu de dupes entre père, mère et fils. On ne sait pas tellement ce qu’il cherche à nous dire, et malgré une succession de scènes très fortes, la métamorphose attendue du fils en être brutal et dur est beaucoup trop longue pour marquer. Le cinéaste de la nature, dans grands espaces et des plans extérieurs ne parvient jamais à s’exprimer complètement dans cette baraque étriquée et ce petit jardin. Sa poésie et la force de son cinéma se désagrège petit à petit sous les yeux médusés d’un spectateur qui a surtout l’impression que cela n’en finira jamais.

Et la séquence finale qui devrait nous bouleverser, nous emporter, nous clouer sur notre siège, finit d’achever son spectateur entre incompréhension et frustration d’être passé à côté de quelque chose. Curieuse sensation que de passer dans la même séance de la curiosité à l’émerveillement de plus total, puis à l’ennui et enfin à l’exaspération. Si The Tree of life reste un objet cinématographique passionnant, les fans de la première heure de Terence Malick peuvent être légitimement déçus que la consécration cannoise vienne récompenser son film le plus déséquilibré et le plus inabouti à ce jour.