Le débat saisit parfois le petit monde de la critique et de la cinéphilie : quelle est la limite entre le geste artistique et le vide ? Comment un film qui transporte un auditoire peut-il en excéder totalement un autre ? Tout film radical dans son développement artistique doit-il être considéré comme digne d’intérêt ? Le dernier film de Lynch en date (l’abominable Inland Empire) avait déjà posé ces questions. L’an dernier, c’était la Palme d’Or qui méritait un débat de ce type. Il y a quelques semaines, l’exceptionnel voyage de Nuri Bride Ceylan en Anatolie pouvait aussi rentrer dans cette catégorie. Et aujourd’hui donc, ce Cheval de Turin, bardé de récompenses et de lauriers critiques. Alors : chef d’œuvre ou arnaque ?

Tout d’abord, chaque spectateur qui aura l’audace de se risquer en salle doit savoir ce qui l’attend. Plus de 140 minutes de noir et blanc, quasiment sans dialogues, dans une masure perdue au fin fond de la campagne. Deux personnages principaux et quasiment uniques, ainsi que leur cheval. Six journées de leur vie, qui se répètent de manière entêtante autour de leur cérémonials de lever, déjeuner et coucher. Et c’est tout, rideau. 

L’ensemble cherche délibérément à être un geste artistique sans concession. L’objectif semble être d’enfermer le spectateur dans une forme de folie qui prend peu à peu racine dans la tête des personnages principaux. Mais, si le vide sidéral de l’ensemble interpelle pendant les premières dizaines de minutes, il provoque rapidement chez le spectateur (même le plus patient) un sentiment de gêne, qui se transforme en souffrance puis en énervement à mesure que le film avance sans but, sans enjeu, sans évolution.

Rien ou presque ne bouge, quasiment rien n’a l’air digne d’intérêt dans l’univers que décrit Bella Tarr, et pourtant, il décompose chaque scène, chaque mouvement,  le répète à l’infini jusqu’à l’épuisement. On en vient à guetter ses tics de mise en scène, ces longs plans qui terminent sur une vue fixe d’une porte, ou d’une tête de cheval, appuyés par une musique (une seule partition, évidemment) répétitive et lassante. Epouvantable. Une forme avancée de cinéma du rien, qui laisse chacun y voir ce qu’il veut y mettre, mais qui ne cherche jamais à développer des situations, à créer des personnages ou à accompagner son public quelque part. Bienvenue dans la tête d’un réalisateur qui souhaite faire partager au monde sa vision destructrice et très personnelle de l’apocalypse, même si cela consiste à vous enfermer dans une masure sordide pendant plus de 2 heures. 

Cela dit, le film présente quelques avantages. Cela laisse un peu de temps pour penser à la liste de courses, aux coups de fils qu’on doit passer, ou encore d’observer les éclairages de secours de sa salle de cinéma. C’est également une excellente occasion de tester sa résistance à l’endormissement, qui frappe impitoyablement tout spectateur n’ayant pas 8 à 10 heures de bon sommeil derrière lui.

Certains parlent d’une œuvre magistrale qui décrit la folie, d’autres l’enfermement, d’autres encore l’apocalypse. Pour aller dans leur sens, je pense qu’on ne s’est rarement autant senti proche de l’enfer sur Terre, et que rarement la lumière de la sortie de salle n’aura été accueillie avec une telle bénédiction. Un grand moment de masochisme cinématographique, qui semble plaire même au-delà du Triangle des Bermudes de la critique. Mais il faut décidemment aimer se faire mal. Très mal.

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La délicatesse s’inscrit dans la mode des films d’écrvains. Un bouquin dans l’air du temps, qui parle de préférence d’amour et qui va jouer la carte de l’identification. Deux acteurs connus, un contre-emploi si possible, on met une caméra entre les mains de l’écrivain en question, et on roule, avec l’espoir de faire de concurrence en cette période de fêtes pour ceux qui ne veulent pas donner dans le grand spectacle yankee.

Mais le principal problème du film, c’est que les réalisateurs chaussent des sabots de plusieurs tonnes chacun pour poser leur cadre, puis développer leurs situations. On veut intégrer de fantaisie en rendant l’entreprise suédoise ? C’est en utilisant chaque cliché possible sur le pays, d’Ikea à Bergman jusqu’à une assiette de Krisprolls posée sur le bureau. (mouarf, mouarf). On veut faire comprendre au spectateur que le personnage de François Damiens n’est pas au top de son sex appeal ? On l’habille comme un plouc et on le fait habiter en banlieue (la honte, il prend même le RER). On veut se donner un air poétique ? On alourdit correctement l’ensemble avec des citations pseudo-poétiques, brouillons rejetées d’Amélie Poulain (« il fait disparaître les jeudis. Le bonheur, c’est quand les jeudis n’existent pas »)

L’ensemble du film va ainsi , en chargeant considérablement une barque qui coule régulièrement sous le poids des clichés et de la maladresse de ses auteurs. Mais cela, c’est après l’introduction du fil qui dure déjà une très grosse demi-heure. C’est à la fois long et expédié. Long pour ouvrir sur le vrai film car quiconque a vu la bande annonce attend avec impatience que la parfait mari se prenne une voiture au coin de la rue pour que l’on puisse passer à autre chose. Expédié parce qu’on sent bien que les auteurs mêmes ne prennent pas le temps d’aller au-delà de l’icône de l’amour fou pour pouvoir enfin faire passer François Damiens devant la caméra. Cela rajoute à l’inconsistance d’un film mal fichu qui ne doit au final de n’être regardable qu’au talent de ses interprètes principaux, les seuls à dégager un tant soit peu de délicatesse dans ce très désagréable produit packagé.

Un produit qui nous rappelle que la mort, c’est dur, surtout pour les autres. Que chez mamie à la campagne, on est quand même mieux qu’en ville avec des ses potes. Que ce n’est pas une bonne idée de se laisser draguer par son patron vieux-beau. Qu’en Suède, il fait froid et qu’ils mangent des biscottes. Et que quand même, la vraie beauté est intérieure. Ouf. Si vous savez déjà tout ça, ne prenez pas la peine de vous déplacer et allez voir Hugo Cabret ou Mission Impossible.

Le Havre, donc. Un cireur de chaussures professionnel se prend d’affection pour un jeune immigré clandestin que la police recherche. Il souhaite l’envoyer à Londres, mais a déjà du mal à s’occuper de lui-même, sa femme étant à l’hôpital pour une longue maladie. Chez le vieil homme et l’adolescent, la même innocence, la même spontanéité, mais aussi le même respect de l’être humain, sans jamais de violence physique ni verbale. C’est d’ailleurs ce qui est saisissant ici : le cheminement profondément calme du film, malgré le sujet qu’il aborde. Pas une parole plus haute qu’une autre, pas une agression, pas de haine. Un grand bol de tolérance, de respect et d’humilité qui pourrait paraître naïf au premier abord, mais qui fait au final un bien fou. Et qui correspond parfaitement au cinéma de Kaurismaki, simple, direct, léger, sans fioritures de caméra, qui lui permet de plonger directement dans le cœur de ses personnages.

Sur un sujet d’actualité brûlant et controversé, Kaurismaki tresse donc une histoire de conte de fées, quasiment sans méchant, avec ses bons génies et ses personnages improbables. Un croisement réussi entre la dureté et la force de Welcome, avec  l’innocence et la nonchalance de l’univers d’un Jacques Tati. Ce ton est unique, il est plaisant, décalé, magique. Et tout est au diapason : André Wilms d’abord  (ne cherchez plus, Monsieur Lequesnoy, c’est lui), sa diction si particulière, sa  manière de ne jamais être surpris de rien. Jean-Pierre Daroussin, dont on comprend vite qu’il va s’éloigner du policier rude et borné dont il se donne les grands airs.  Les espaces du Havre ensuite, le cadre populaire un peu désuet. La simplicité des personnages et des dialogues ensuite, qui rapprochent par moment Le Havre d’un film pour enfants. Mais ne vous-y-trompez pas : ce simplisme apparent cache une grande humanité qui n’a rien d’enfantine. La manière dont tout le monde et chacun va sa mobiliser pour cet adolescent qu’ils viennent de rencontrer est une vraie leçon d’accueil et de générosité.

On pourrait d’ailleurs se demander si le film ne se passe pas vingt ans auparavant, mais le malicieux réalisateur ne manque pas d’intégrer la voix d’Eric Besson et un reportage télé pour bien nous ramener brièvement à la réalité. Une rude parenthèse de vie réelle dans cet univers bizarre, mais pourtant féérique et malicieux. La générosité et le respect ne semblent pas être des valeurs condamnées à rester cantonnées aux téléfilms et aux comédies romantiques moralisatrices et lourdingues. Merci Aki ! 

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David Cronenberg parti investiguer les origines de la psychanalyse dans une Suisse et une Autriche polissés du début du XIXème siècle ? Après Woody Allen qui va à Paris, Scorsese qui fait de la 3D, décidemment, tout fout le camp. Et si les deux new-yorkais ont su séduire par leur changement de lieu ou de registre, il n’est pas évident qu’on puisse en dire autant de notre canadien et de son opus viennois qui laisse pour le moins perplexe, quand il ne déroute pas complètement.

Au départ, c’est un cas clinique. Une jeune fille en proie à des troubles graves que le docteur Jung parviendra a guérir en mettant en pratique les technique de la psychanalyse posées récemment par son confrère Sigmund Freud. Les deux hommes se toisent, se rapprochent. Mais de désir que crée cette patiente chez le docteur Jung devient incontrôlable.

Cette méthode dangereuse est surtout frustrante car elle est d’abord fascinante. En recréant ce petit théâtre d’ombres dans le cabinet du praticien, pendant les séances plus ou moins violentes d’analyse et en utilisant la magnifique nature suisse, Cronenberg captive d’abord avec un cinéma posé, cérébral et bavard qui ne ressemble pourtant pas au sien. La guérison de Sabina, puis la tentative de traitement de leur confrère (magistral Vincent Cassel) suivent une logique qui démonte méticuleusement les succès et les échecs de la thérapie par la parole, expériences à la fois passionnantes et très cinématographiques.

Malheureusement, la suite du film n’aura de cesse de s’étirer et finit par s’épuiser par manque d’enjeux. En faisant rentrer Freud au cœur du jeu, puis en tentant de s’accrocher à la fois à l’avenir de Sabina, la controverse entre Jung et Freud, le rapport maître élève et le désir de Jung, le film tisse une toile complexe et multiple sans jamais parvenir à réunir les différents sujets.

Le résultat est donc un film long, paisible et sage là où il devrait être choquant, osé, tourmenté. On ne fait que suivre une paisible succession de  tableaux qui s’étiolent jusqu’à disparaître. A trop partir dans toutes les directions, Cronenberg s’est pris les pieds dans le divan, d’autant que sa mise en scène sage ne convient alors plus à un ensemble qui ne suscite décidemment aucune émotion, malgré le travail remarquable de Michael Fassbender et de Kiera Knightley. On pardonne beaucoup à un tel génie, on pourra être moins indulgent avec le script indigeste et bavard de Christopher Hampton, qui n’a plus réussi grand-chose depuis les Liaisons Dangereuses il y a bien longtemps.

Reste la magnifique lumière, la ville de Vienne et le plaisir de voir à l’écran cet acteur magnifique qu’est Viggo Mortensen. C’est bien peu. 

On a reçu trois bandes annonces ces jours-ci dans des genres assez différents, mais qui sont symptomatiques d’une tendance au retour à l’action pure. L’intérêt pour ce créneau a considérablement augmenté cette été quand un des films les plus vus a été … Fast&Furious 5. Au milieu des blockbusters en 3D, de l’avalanche Mavel, des films de science-fiction et autres performances technologiques , le public a réservé un triomphe au cinquième opus d’une franchise bourrine au dernier degré, d’une qualité cinématographique plus que discutable, mais profondément jouissive.

Une sorte de retour aux fondamentaux pour des films qui semblaient condamnés à rester durablement dans l’ombre depuis la fin des années 90, et le début du règne des super héros dôtés de pouvoirs ou de gadgets technologiques avancés. La roue tourne….

La première est évidemment Battleship dont on déjà parlé ICI. Du bourinisme nouvelle école, sous la bannière éclatante de Michael Bay, saupoudrée de l’influence de Roland Emmerich. De la bonne vieille destruction massive des familles, moderne et technlogique, avec des petits jeunes qui  n’en veulent et des filles en bikini.

Pour Expendables 2, on est dans le respect old school de l’action movie des années 80. Après un réjouissant premier épisiode, Stallone et ses gros bras reviennent avec de vrais rôles pour Bruce Willis et Schwarzie, ainsi que le renfort de Jean-Claude VanDamme.. On va surtout être dans les armes à feu, les armes blanches et les vannes à deux balles. Pas d’aliens, pas trop de jeunes, pas trop de femmes. Du bourrin oui, mais d’appellation d’origine contrôlée s’il vous plait. Il ne manque plus que Clive Owen et sa moustache pour compléter l’équipe.

On change de registre avec G.I. Joe 2 qui s’intègre sur un créneau intermédiaire en cherchant à jouer sur les deux tableaux, tout en respectant le fondamentaux d’une franchise qui ne semble vraiment prendre vraiment rien ni personne au sérieux. Moins pompeux que Battleship mais tout aussi jeuniste et déluré, les figurines passées sur grand écran promettent de récupérer le monde pris en otage par une organisation de superméchants en faisant péter le maximum de décors. Ouvertement, le plus décérébré des trois, ce qui n’est pas rien. Celui qui vise le plus bas en terme d’âge (mental) également. Remarquez bien en fin de bande annonce que Bruce Willis a décidemment le vent en poupe quand il s’agit de se recycler dans des films idiots. Way to go, Bruce !